Novedades en la categoría Semana de cine experimental de Madrid

La Segunda Guerra Mundial dejó tras de sí una casi interminable lista de efectos colaterales. En la mayoría de los casos, efectos más bien negativos, derivados de un desastre de tal magnitud. Pero como si se tratase de un caprichoso movimiento del destino, en dos de los grandes derrotados de aquella guerra marcó un punto de inflexión en lo económico. Alemania, lastrada casi de por vida por el estigma de la locura nazi, se sobrepuso y llegó a erigirse en el motor de arrastre de la economía europea. Japón, simultáneamente, inició un proceso reformista descomunal que, con el paso de los años, le convirtió en el líder que siempre quiso ser.

El llamado "Milagro Económico Japonés" supo aprovechar el caudal inversor de los Estados Unidos, encauzándolo acertadamente a través de una política interior intervencionista. Aquello fue posible gracias al consenso alcanzado entre las industrias manufactureras, las empresas de distribución, las grandes corporaciones financieras y, sobre todo, el ciudadano de a pie. Pocas economías han contado (y cuentan) con una mano de obra tan identificada con sus patrones como la nipona, tan capaz de adherirse a cuantas peticiones incondicionales se le requieran. Una de las grandes influencias ideológicas de la clase político financiera japonesa de aquel periodo fue un economista moldeado en la Alemania que resurgió de las cenizas de la Primera gran Guerra. Se llamaba Kaname Akamatsu, y estableció una curiosa teoría llamada "La Bandada de Gansos Silvestres", en la que disertaba sobre la forma en que se interrelacionan las economías nacionales de países cercanos, y de cómo la necesaria presencia de un "ganso líder de la bandada" facilita el "vuelo" del resto de "gansos". Dicen que la formación en "V" que toman los gansos en sus largos vuelos permite ahorrar hasta un 60% de energía a aquellos que se colocan justo detrás del líder. Japón consiguió alcanzar tal posición de superioridad tecnológica, financiera y comercial que, sin necesidad de un solo disparo, consiguió convertirse en el líder de la bandada: Reyes de Asia, Príncipes del Mundo.

En el mundo del cine todo esto encontró un fiel reflejo, aunque no sólo desde el punto de vista de la industria sino, sobre todo, del talento. Grandes maestros como Ozu y Kurosawa abrieron a principios de los 50 las puertas de los festivales internacionales al cine asiático, y tras ellos se fueron (y se siguen) colando otras cinematografías del mismo continente. En la llamada "década dorada" de los 60 Ozu se retira, pero Kurosawa sigue en lo más alto. Simultáneamente el Tecnicolor invade Japón y el anime se abre un hueco en la pujante televisión japonesa. Fueron unos años de gran prosperidad económica y social, años en los que con mayor fuerza se empezó a sentir la llegada de nuevas hornadas de japoneses cada vez más críticos con el terrible peso de la tradición. El cine japonés, que hoy brilla en los certámenes cinematográficos más reputados, se ha construido a partir de en un grupo de cineastas que nacieron precisamente en aquellos años. Son la llamada "Generación de los 60", y la Asociación de cine Vértigo, en colaboración con la Semana de Cine Experimental de Madrid, le dedica a esa hornada de cineastas el cierre de su temporada de cine fórum.

Detallamos a continuación las proyecciones de este ciclo, las cuales tendrán lugar en el CICCA, en Las Palmas de Gran Canaria, y con entrada gratuita.

- Lunes 26 de julio 2010. 18:00
EUREKA
Título original: "Yurika" Japón, 2000. B/N (sepia) y color. V.O.S.E.217 minutos.
Dirección y guión: Shinji Aoyama.
Intérpretes: Koji Yakusho, Aoi Miyazaki, Masaru Miyazaki, Yoichiro Saito, Sayuri Kokusho.
Sinopsis: Naoki y Kozue se encuentran entre los ocupantes de un autobús secuestrado por un peligroso asesino. Ellos dos, junto a Makoto, el conductor del vehículo, serán los únicos supervivientes de ese terrible suceso. Sus intentos por recuperar eso que se llama "una vida normal" no serán nada fáciles, sobre todo cuando Makoto, su eventual padre adoptivo, es acusado de una serie de asesinatos.

Shinji Aoyama (Fukuoka, 13/07/1964). Novelista, crítico cinematográfico y director, confiesa sentirse muy influido por la labor de los directores portugueses Manoel de Oliveira, Joao Cesar Monteiro y Pedro Costa. Con su primer largometraje ("Helpless", 1996), ganó los premios de mejor realizador y mejor película de la Asociación de Cineastas Japoneses. Su obra más celebrada ("Eureka", 2000), recibió el premio a la mejor actriz por parte de la citada Asociación, el de mejor película asiática en el Festival de Singapur y, finalmente, los premios Fipresci y Signis en el Festival de Cannes.

- Martes 27 de julio. 19:30
CEMENTERIO YAKUZA
Título original: "Shin jingi no hakaba" Japón, 2002. Color. V.O.S.E. 131 minutos.
Dirección: Takashi Miike.
Guión: Shigenori Takechi, a partir de la novela de Goro Fujita.
Intérpretes: Goro Kishitani, Narimi Arimori, Yoshiyuki Daichi, Hirotaro Honda, Harumi Inoue.
Sinopsis: Rikuo es un friegaplatos huraño y sin amigos. Un buen día, unos yakuza entran a sangre y fuego en el restaurante donde trabaja para acabar con un mafioso rival. La brutal e inesperada intervención de Rikuo salva la vida del jefe yakuza, que le jura eterno agradecimiento y hace que suba posiciones en el escalafón criminal de Tokio. Su falta de escrúpulos y su sed de sangre le harán pronto famoso y temido tanto entre sus rivales como entre sus compañeros. Con su instinto de depredador sembrará las calles de la ciudad con los cadáveres de aquellos que se crucen en su camino.

Takashi Miike (Yao, 24/08/1960). Tan prolífico como controvertido (ha dirigido más de setenta producciones teatrales, de video y televisivas desde su debut en 1991), alardea de que la financiación de sus primeras producciones (muy marginales y destinadas directamente al video) provenía del blanqueo de dinero negro de los yakuza. Asociado a un tipo de cine rápido, barato e impactante, Miike ha conseguido que la cinefilia más exigente se adhiera a su causa, siendo uno de esos directores pretendidos por todos los festivales de cine. Su primer gran éxito fue "Gokudô kuroshakai" (1997), mejor película según la Asociación de cineastas japoneses. Tras el estreno de "Audition" (1999) en el Festival de Vancouver, consiguió la admiración internacional. Aquella terrorífica propuesta paseó su nombre por medio mundo, y tras tan renombrados galardones como los recibidos en Fantasporto o Rotterdam, pasó a formar parte del selecto grupo de cineastas "estrella". Desde entonces ha recibido casi una treintena de galardones, incluido el de mejor actor según la Asociación de cineastas japoneses para Gorô Kishitani por su trabajo en "Cementerio Yakuza" (2002).

- Miércoles 28 de julio. 19:30
SHARA
Título original: "Sharasojyu" Japón, 2003. Color. V.O.S.E. Duración: 100 minutos.
Dirección y guión: Naomi Kawase.
Intérpretes: Kohei Fukunaga Yuka Hyodo, Naomi Kawase, Kanako Higuchi, K. Namase.
Sinopsis: La familia Naso vive en Nara, antigua capital de Japón. Un día de verano, uno de los dos hijos gemelos de la familia no regresa a casa. Cinco años después, la familia sigue intentando volver a vivir. La madre intenta quedarse de nuevo embarazada. Shu, el gemelo que ha quedado vivo, intenta perpetuar el recuerdo de su hermano muerto con un cuadro.

Naomi Kawase (Nara, 30/06/1960). Tras ser abandonada por sus padres, fue criada por sus abuelos, algo que le ha servido en más de una ocasión como fuente de inspiración para su particular universo fílmico. Aunque normalmente pasea su talento por los territorios de la no-ficción, sabe manejar su especial sensibilidad con gran acierto cuando decide aventurarse por otros senderos. "Moe no sukazu" (1997) le hizo ganar el premio de la crítica en Rotterdam y la Cámara de Oro en Cannes. Teniendo en cuenta que se trataba de su primer largometraje, no es de extrañar que a partir de aquí se haya convertido en algo más que una cineasta de culto, alcanzando un nivel de relevancia inusual para alguien tan diferente e independiente. Uno de sus proyectos más personales, ("Shara", 2003), le permitió de nuevo acudir al Festival de Cannes a competir por la Palma de Oro.

- Jueves 29 de julio. 19:30
UNA PAREJA PERFECTA
Título original: "Un couple parfait" Japón-Francia, 2005. Color. V.O.S.E. 104 minutos.
Dirección y guión: Nobuhiro Suwa.
Intérpretes: Valeria Bruni Tedeschi, Bruno Todeschini, Nathalie Boutefeu, Jacques Doillon.
Sinopsis: Tras varios años residiendo en el extranjero, Marie y Nicolás regresan a París para asistir a la boda de unos amigos. Para todo el mundo son el modelo de pareja perfecta, pero lo que nadie sabe es que se encuentran al borde del divorcio. Contrariamente a sus expectativas, este corto viaje les dará una nueva oportunidad para pensar en el futuro de su relación.

Nobuhiro Suwa (Hiroshima, 28/05/1960). Se inicia en el cine como pequeño productor y director de documentales. Con su segundo largometraje, ("M/Other", 1999), alcanza el premio de la crítica en Cannes, algo que le convierte en objeto de culto internacional. Su devoción por la Nouvelle Vage y por todo aquello que suene a cine francés le lleva a atreverse en 2001 con "H Story" (un remake de "Hiroshima mon amour", Alain Resnais, 1959) y, poco después, con un arriesgado trabajo filmado en Francia y titulado "Una pareja perfecta" (2005). Esta obra le reporta, entre otros galardones, el Premio Especial del Jurado en Locarno. Recientemente ha presentado "Yuki y Nina" (2009), un delicado ejercicio de equilibrio poético, aclamado unánimemente por la crítica más exigente.

- Viernes 30 de julio. 19:30
HANA
Título original: "Hana yori mo naho" Japón, 2006. Color. V.O.S.E. 127 minutos.
Dirección y guión: Hirokazu Kore-eda.
Guión: Hirokazu Kore-eda.
Interpretación: Junichi Okada, Rie Miyazawa, Tadanobu Asano, Arata Furuta, Seiji Chihara, Sinopsis: Año 1702. Aoki Sozaemon es un joven samurái que llega a Edo con el propósito de vengar a su difunto padre. Busca al enemigo de su progenitor por toda la ciudad, pero, aparte del hecho de que es un inútil en el manejo de la espada, se siente bastante reticente a cumplir con su misión. Alojado en una vivienda pobre, pero rica en relaciones humanas, Sozaemon empieza a apreciar la vida y a preguntarse por el sentido de la venganza.

Hirokazu Kore-eda. (Tokyo, 06/06/1962). Aunque siempre quiso ser novelista, se encontró un buen día trabajando como asistente de dirección de documentales para una cadena de televisión. El salto a la dirección fue casi inevitable, debutando en la realización de algunos capítulos de una serie de documentales en 1989. La forma en que reflexiona sobre la memoria, la muerte y, en general, el concepto de la "pérdida" ha cautivado a público y crítica desde su descubrimiento internacional, allá por 1995, cuando "Maborosi" recibe diversos galardones en Chicago, Vancouver y Venecia. Cuando en 2006 decide aproximarse al Japón feudal con "Hana", sorprende a muchos de sus seguidores, volviendo a recibir una gran acogida en los festivales de Londres, San Sebastián y Pusan, entre otros.

Es una opción como otra cualquiera. Hay quien disfruta con el todo incluido de un hotel de la costa, hay quien se lanza al monte cual cabra montesa y hay quien no se plantea nada de eso por culpa de los ajustes económicos tan propios de estos tiempos. Pero el turismo cultural es otra opción la mar de interesante. Y en algún caso con pocos requerimientos presupuestarios. Nos atrevemos aquí con dos ejemplos, muy ligados (evidentemente) al séptimo arte.

Madrid es siempre una opción muy socorrida. El centralismo cultural de este país, su ubicación geográfica y el histórico maridaje operativo de nuestras compañías aéreas con dicha ciudad le convierten en imparable surtidor de oferta cultural, al mismo tiempo que le hace ser un destino de fácil acceso a los que viven fuera de ella. En estos días, si alguno de ustedes está de paseo por la capital o tiene pensado dirigir sus pasos hacia ella, tiene la oportunidad de disfrutar con la sugerente propuesta de la 19ª edición de la Semana de Cine Experimental de Madrid (del 20 al 27 de noviembre).

Es éste un evento de amplia tradición y de innegable personalidad, que lleva casi dos décadas apostando por la creación más arriesgada y las propuestas más marginales de la industria. Sorprendentemente, la respuesta del público es más bien mayoritaria, algo que nos reafirma en nuestra vieja idea de que no sólo de grandes pensamientos únicos vive el hombre.

En la edición de este año, y aparte de la habitual competencia oficial, destaca la retrospectiva dedicada a uno de los directores más impactantes del cine actual, el argentino Lisandro Alonso. Una oportunidad única no sólo de disfrutar de sus cuatro películas (La Libertad, Los Muertos, Fantasma y Liverpool) sino de compartir impresiones con el mismísimo Alonso durante la presentación del libro "Lisandro Alonso: entre el cine y la filosofía". Escrito por uno de los responsables de la Semana, Luís Miguel Rodríguez, será presentado en Casa América, el miércoles 25 de noviembre a las 19:30 horas.

Sabe combinar este evento lo arriesgado con propuestas más accesibles para el espectador medio pero igualmente minoritarias, lo que le permite un sugerente trasvase entre públicos de distinta ralea. Por ejemplo, dedica un espacio al director francés de origen rumano Radu Mihaileanu, responsable de un puñado de títulos de interés como Traición (1993), Tren de la vida (1998), premio del Público a la Mejor Película extranjera en Sundance, o Vete y vive (2005), premio del Público en el Berlín.

Y si quien lee estas letritas reside fuera de Gran Canaria y se decide a realizar el viaje inverso (o si se vive por estos andurriales), en la localidad de Vecindario se desarrolla en estos días (entre el 20 y el 27 de noviembre) la quinta edición de San Rafael en Corto. Es una de esas propuestas culturales que a uno le gusta apoyar, de esas que nacen y sobreviven gracias al entusiasmos de un colectivo (en este caso, la asociación cultural canaria Gran Angular) y al apoyo de un grupo de empresas del sector público y privado.

Este proyecto cultural surgió durante las Fiestas de San Rafael 2005 para la divulgación de la creación cinematográfica de las Islas Canarias, como mecanismo de creación de un espacio de difusión de la creatividad cinematográfica canaria y en el que integrar la gran cantidad de obras que quedan fuera del circuito cinematográfico de las islas.

Uno de los principales objetivos de "San Rafael en Corto" es fomentar la creación de un circuito independiente que apoye a los directores noveles de las islas y en el que se fomente la creatividad por encima de los criterios que dicta el mercado cinematográfico. Los 89 cortometrajes canarios que componen el armazón principal de esta Muestra servirán para acercarse a ese objetivo al tiempo que proporcionarán una buena radiografía del estado del sector.

Se estrenarán además los primeros largometrajes de dos arriesgados directores canarios, algo que realza el papel de esta Muestra como escaparate de la producción local: Dispersión Mortal, de Wansy Navarro, y Tier Heim, de Esteban Calderín.

También es de destacar la presencia de invitados de renombre nacional, como la directora Chus Gutiérrez que en la apertura de la Muestra presentó Las siete alcantarillas, un segmento del documental colectivo, En el mundo, a cada rato un trabajo para UNICEF, en el marco de los conflictos olvidados. Para el cierre se espera la asistencia del director Javier Corcuera, quien presentará el documental Checkpoint rock, Canciones desde Palestina.

Estas proyecciones, así como diversas muestra paralelas, exposiciones, talleres, etc. se desarrollarán en el Teatro Municipal Víctor Jara de Vecindario y son gratuitas, algo que en los tiempos que corren es muy de agradecer.

La Semana de Cine Experimental de Madrid (SCEM) se encamina hacía sus primeros veinte años de vida sin perder ni un ápice del espíritu trasgresor e innovador que la caracteriza desde sus inicios. La creación internacional más vanguardista se ofrece año tras año en este foro, en el que se pretende estimular el experimento con la esperanza de encontrar nuevas formas para la imagen.

Es, en definitiva, un evento que lucha a contracorriente para defender desde el bastión del riesgo la naturaleza innovadora del séptimo arte. En trincheras similares se parapeta Ibértigo, la Muestra de Cine Iberoamericana de Las Palmas de Gran Canaria que cada año ofrece una atrevida panorámica del cine iberoamericano reciente. Este tipo de eventos suelen compartir cierto grado de sensibilidad que en ocasiones derivan en colaboraciones como este "Ibértigo Experimental", una selección de las mejores obras iberoamericanas presentes en las últimas ediciones de la SCEM y que se podrán visionar entre el 25 y el 11 de septiembre en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria. Las sesiones continuas se iniciarán a las 10 de la mañana y se podrán disfrutar durante todo el día, de forma gratuita, y hasta las 9 de la noche. Este ciclo de proyecciones abarca el mismo abanico ecléctico de la propia SCME, con espacio para el cine underground, la video danza, la animación o el found footage. Desde este rinconcito de la blogosfera asumimos un poco de riesgo y pasamos a recomendarles algunas de las obras que componen esta selección.

Podríamos empezar por la esquinada "The Spooky Healing", dirigida por el debutante Marcel Garbi, artesano de la imagen y el sonido, compositor, diseñador de sonido, ilustrador, artista multimedia, diseñador gráfico, etc.

Una de las piezas más cortas pero no por ello menos interesantes es "The Quiet", premiada en los festivales de Málaga, Aguilar de Campoo o Cáceres y que solo por su igualmente corta pero inquietante sinopsis merece una oportunidad: "Normalmente, soy bastante tranquilo..."

Los degustadores del buen pop español tienen la oportunidad de ver un video clip alejado de las corrientes habituales. Una cámara doméstica filmó al grupo Klaus & Kinski interpretando su tema "Flashback al revés" A continuación se imprimió cada fotograma en un folio y se fotografió cada uno de ellos. 1800 fotografías, 7 cartuchos de tinta y mucha paciencia... Finalmente, esas fotos sustituyeron a los fotogramas originales.

El director es Txema García Ibarra, un nombre que deberían retener de cara al óscar del año próximo por "El ataque de los robots de Nebulosa - 5"

Pero quizás la apuesta más atractiva pueda ser "For(r)est in the des(s)ert", sobre todo por la historia que esconde detrás.

Galardonada con el premio al mejor corto en el Festival de Sitges, y vencedora también en Alcalá y en la propia SCEM, fue dirigida por Luiso Berdejo, un tipo peculiar cuya trayectoria la resume él mismo en "un kilómetro y pico de celuloide repartido en varios cortometrajes; cientos de páginas de guiones de largometraje escritas, unas por rodar, otras ya rodadas por otros directores; toneladas de paciencia durante el maravilloso viaje hacia su propia película... Felizmente casado". Lo cierto es que Berdejo, después de ganar un puñado de premios con sus cortos, no encontró apoyos en España para dar el salto al largometraje. Intentando dar salida a su obra, entregó una selección de sus cortos a una agencia de representación, pero sin muchas esperanzas de que aquello sirviera para algo. Sin embargo, estando una tarde en casa de un amigo, recibió una llamada misteriosa. Al contestar, una voz en inglés se identificó como un productor estadounidense interesado en producirle un largometraje en Hollywood y con ¡Kevin Costner de protagonista! Mientras el bueno de Berdejo repetía una y otra vez las 4 frases hechas que recordaba de su inglés parvulario, su amigo se partía de risa en el suelo de la habitación.

Verdejo no se lo creía, y llegó a pensar que era una broma. Pero no, no era ninguna tomadura de pelo, y allá que se fue el donostiarra, seguro de que a la semana de rodaje lo iban a expulsar al darse cuenta que era incapaz de hablar un inglés decente ("al menos les podré contar a mis nietos que me echaron del rodaje de una peli americana"). Al llegar a los estudios, a Berdejo casi se le caen los pantalones al verse frente a Costner, ídolo de sus años mozos. Abrumado por la situación, se emocionó y le soltó un discurso plagado de infantiles alabanzas hacia sus películas y a punto estuvo hasta de pedirle un autógrafo. Durante toda esa conversación Costner no abrió la boca, manteniendo en todo momento esa media sonrisa tan suya. Cuando Berdejo terminó de hablar, Costner mantuvo un silencio aterrador durante diez segundos y, sin cambiar de sonrisa, le espetó: "Miremos hacia el futuro. A trabajar". Se dio la vuelta, y se fue. A Berdejo le costó, pero se recuperó, claro. Y al final, aguantó algo más de una semana. De hecho, la película, titulada "The New Daughter", está ahora mismo en post producción y seguramente la veremos en este 2009.