El jurado encargado de otorgar los premios está compuesto por Diego Grimaldi (cofundador del Aula de Cine de la ULPGC y subdirector de la misma), Natalia Medina (bailarina, coreógrafa y directora de MASDANZA, Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias) y Sergio Miró (director del magazine "Canarias en la Onda" de Onda Cero Las Palmas, y batería de bandas como The Good Company, The Birkins o Señor Natilla). Como novedad en la edición de este año, se entregará un Premio del público, concedido tras votación directa de los asistentes.

"Visionaria, conceptos de ciudad" está organizado por la Asociación de cine Vértigo y proa2020. Forma parte de una iniciativa incluida en "Las Palmas de Gran Canaria, respira cultura", una de las cuatro dimensiones sobre las que se asienta el Plan Estratégico de Las Palmas de Gran Canaria.

Esa última película, rodada en 1990, ilustraba las peripecias del joven médico de una pequeña y tranquila ciudad americana, acosada por una legión de arácnidos recién llegados desde el corazón del Amazonas. La película no era especialmente brillante, pero cuando aparecían aquellas olas de arañas, era inevitable sentir que algo te estaba caminando por la espalda. Aquella marea de pequeñas arañas era realmente inofensiva, no así la tarántula gigante que aparecía después, una especie que se alimenta de pequeñas aves y que tiene una mordedura letal. Aquel joven médico con aracnofobia estaba encarnado por el actor Jeff Daniels, nacido en Athens (Georgia) en 1955, el mismo año en que un compatriota suyo, el director Jack Arnold, estrenó una de las más recordadas películas sobre arañas gigantes: "Tarántula".

En 1954, la Warner Bros. había estrenado "Them!", considerada como una de las primeras películas de monstruos nucleares y la primera dentro del subgénero de las "Big bug films". El éxito de aquella obra invitó a la Universal a subirse al mismo carro, encargando a Jack Arnold la realización de una película no sobre hormigas, sino sobre algo más peligroso: una tarántula. El departamento de efectos especiales del estudio optó por una araña de verdad para los planos generales, reservando los prototipos articulados para los primeros planos. La araña se movía en la dirección deseada porque un técnico, hábilmente situado cerca del arácnido pero fuera de plano, soplaba por un pequeño tubito, haciendo que la araña se moviese a su gusto. A diferencia de otras películas de ciencia ficción de aquellos años al amparo del miedo nuclear, aquí lo que genera al monstruo no son malvados genios locos ni bombas devastadoras, sino las supuestas (y discutibles) buenas intenciones de científicos benefactores.

Su historia es sencilla: Un científico es acusado del crimen de dos compañeros, pero pronto se descubre que la responsable de esas terribles muertes es una tarántula gigante, producto de un fallido experimento encaminado a acelerar el crecimiento de los animales. El monstruo escapa del laboratorio y comienza a sembrar el pánico...

"Tarántula" se proyecta en el CICCA, el lunes 23 de enero a partir de las 19:30 horas, como cierre del ciclo que la Asociación de cine Vértigo ha dedicado al director Jack Arnold.

Esa película que acababan de ver Ewell y Monroe llevó en España el título de "La mujer y el monstruo". Dirigida por Jack Arnold en 1954, es considerada hoy en día una pieza de culto indiscutible entre los amantes del fantástico. Cuenta la historia de una expedición científica que se dirige hacia lo más profundo del Amazonas, buscando nuevas especies animales. Mientras una de las integrantes del grupo se baña, un monstruo submarino queda fascinado por su belleza y la rapta, llevándola a su gruta. El resto de la expedición sale en su búsqueda, con la idea de liberar a la bella y atrapar al monstruo...

Esta película tiene su origen en William Alland, actor ocasional y compañero de fatigas de Arnold (al que le produjo siete películas entre 1953 y 1964). Alland se sintió fascinado por una historia que le contó el fotógrafo Gabriel Figueroa en 1941, durante el rodaje de "Ciudadano Kane" (donde Alland encarnaba al periodista Jerry Thomson). Le habló de unos extraños seres, mitad humanos mitad peces, que vivían en las profundidades del Amazonas. Fascinado por el relato, Alland escribió una pequeña historia a la que tituló "The Sea Monster", y en la que pasaba aquella fábula por el tamiz de" La Bella y La Bestia". Coincidiendo con el éxito de otra producción en 3 -D de la Universal, "House of Wax", (1953), Alland rescató aquella historia y le propuso a Arnold que se encargase de dirigirla.

Considerada como un icono de la década de los cincuenta, sus aciertos y sus defectos están en perfecto equilibrio. Es intocable para una gran cantidad de aficionados al cine, y se cuenta que el mismísimo Ingmar Bergman se regalaba en cada cumpleaños un nuevo visionado de esta delicada fantasía que se proyecta en el CICCA el lunes 16 de enero a partir de las 19.30 horas dentro del ciclo que la Asociación de cine Vértigo dedica a Jack Arnold. Este ciclo finalizará el 23 de enero con la proyección de "Tarántula", (EE UU, 1955. 80').

Mary Perkins nació en el corazón de Inglaterra, en el año 1615. Con apenas dieciséis años su familia embarcó hacia el Nuevo Mundo, esperando encontrar allí algo de la fortuna que hasta ese momento no habían siquiera rozado. Se instalaron en un pueblecito de Massachusetts, y fueron prosperando poco a poco. Mary se casó con un hombre de bien, el capitán Thomas Bradbury, de quien tomó el apellido, y siendo ya una venerable anciana de 72 años, se vio envuelta a su pesar en uno de los momentos cumbre en la historia de la intolerancia: los juicios por brujería de Salem.

Mary fue condenada, como tantas otras mujeres, a partir de testimonios infundados, derivados a veces de rencillas personales, o empujados otras por predicadores sedientos de sangre y notoriedad. Le esperaba la muerte en forma de orca, pero su ejecución se dilató lo suficiente como para que pasara la fiebre inquisidora. Su final le llegó unos años después, a la edad de ochenta y cinco años, mientras dormía plácidamente. Su familia cargó con su historia, primero con vergüenza y después con cierto orgullo reivindicativo. El destino, el caprichoso destino, quiso que uno de sus descendientes directos, Ray Bradbury, fuese mundialmente conocido siglos después por escribir historias de terror, ciencia ficción o misterio, un material por el que hubiera ardido en la hoguera en tiempos de la abuela Mary...

Bradbury devoraba de pequeño las estanterías de las bibliotecas que se ponían en su camino. Le encantaban Poe, Wells, Verne y Burroughs. Cuando en 1938 su miopía le impidió entrar en el ejército, comenzó a publicar pequeñas historias de ciencia ficción en varios fanzines y revistas pulp. Su carrera como escritor se iniciaba, escalando posiciones a medida que publicaba obras cada vez más aclamadas: Dark Carnival (1947), The Martian Chronicles (1950), The Illustrated Man (1951), Fahrenheit 451 (1951), etc.

Es en los 50 cuando la televisión y el cine se fijan en él. El primer gran estudio que llamó a su puerta fue la Universal, quien le pide "una historia sobre una hipotética invasión alienígena". Haciendo uso de una gran habilidad, Bradbury ofreció dos versiones, una que se acercaba a los gustos del momento (aliens malvados en los que encarnar los miedos colectivos e histéricos de entonces) y otra más de su gusto personal, en la que los invasores no eran esencialmente dañinos. La sorprendente decisión del estudio de apostar por la segunda opción posibilitó que Bradbury continuase apoyando el proyecto a pesar de que quien firmara el guion con el título de "Vinieron del espacio" fuera Harry Essex, uno de tantos guionistas a sueldo de la Universal.

Promocionada en su momento como la "primera película de la Universal en 3-D", alcanzó muy pronto el estatus de "obra de culto", elevando a su director, Jack Arnold, al Olimpo de los amantes de la ciencia ficción, un género que en esa década de los cincuenta alcanzó quizás unos de sus momentos de mayor gloria. Cuenta la historia de un astrónomo aficionado, testigo inesperado del aterrizaje forzoso de una nave espacial de la que emerge una misteriosa criatura, que poco después desaparece en la oscuridad...

Esta pequeña joya de las Series B se proyecta en el CICCA el lunes 9 de enero en el inicio de un ciclo que la Asociación de cine Vértigo dedica al director Jack Arnold. El resto de películas de este ciclo son:

- 16 de enero: La mujer y el monstruo, (EE UU, 1954. 79')
- 23 de enero: Tarántula, (EE UU, 1955. 80')

El Festival de Cannes 2011 se acercaba a su final. El descomunal Grand Théâtre Lumière acogía a una legión de soñolientos periodistas, muchos de ellos con las heridas de guerra que deja la peligrosa noche cannoise si te pilla desprevenido. Por la sección oficial del Festival habían pasado un buen número de apellidos ilustres (Moretti, Dardenne, Malick, Kaurismaki, Cavalier, Kawase, Von Trier, Almodovar, Miike, Ceylan, etc.), y muchos títulos teñidos de esa solemnidad autoral que muchos reclaman de una competencia de este tipo.

Quien esto escribe tiene algunas manías cuando puede asistir a un Festival. Una de ellas es leer lo menos posible sobre las películas de sección oficial antes de verlas. Podría decir que me gusta disfrutar de ese pequeño momento de sorpresa que puede generar lo inesperado. Es evidente que si se trata de una película de, por ejemplo, los Dardenne, te puedes hacer una idea de lo que te espera, claro. Pero a veces funciona esta táctica. Cuando arrancó la proyección de "Drive", no tenía ni idea de lo que iba a ver. Debo reconocer que desconocía (y desconozco) la obra anterior de su director, el danés Nicolas Winding Refn, por lo que las ideas preconcebidas eran totalmente nulas. Los primeros minutos me dejaron desconcertado. "¿Qué hace esta película aquí"? Parecía una película de acción trivial, una de tantas, sin apenas indicios de ser eso que a veces llamamos pomposamente "cine de autor". Pero la extrañeza duró no más de cinco minutos, los mismos que el protagonista de esta historia concede a sus clientes. En ese momento comenzó una sesión intravenosa de cine autentico, intenso, violento, profundo y cargado de un halo de romanticismo fatalista que lo envuelve todo. Al encenderse las luces, ya no quedaban rastros de las ojeras. Se habían esfumado a golpe de aplausos.

Una espléndida fotografía, una acertada dirección artística y un sobrio reparto ayudan a definir un look ochentero realmente conseguido, pero el peso de esta obra fascinante recae en una especie de ángel caído, tan pleno de belleza como de dolor, encarnado por Ryan Gosling. Su chaqueta de cuero salpicada de sangre pasa desde estos momentos a la misma sala del Olimpo en la que están el chándal amarillo de "La Novia" o el chaleco de Han Solo.

Gosling va a ser uno de los nombres de este recién estrenado 2012. Aquí encarna a un conductor sin nombre, que combina su trabajo en un taller de reparación con esporádicos trabajos como especialista en películas de acción. Pero donde de verdad alcanza su plenitud es como mercenario a sueldo, vendiendo sus habilidades al volante en arriesgadas aventuras criminales.

"Me dices dónde te recojo, dónde te dejo y hacia dónde te llevo después. Tienes cinco minutos desde que sales del coche. Pase lo que pase, soy tuyo durante esos cinco minutos. A partir de ahí, me da igual lo que te pase. No voy a esperarte aunque te vea venir corriendo. Y no esperes que lleve un arma. Yo conduzco."

En cualquier caso, en menos de lo que se cuece un huevo, el grancanario David Pantelaleón fue capaz de plasmar en imágenes su particular concepto de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria desde dos puntos de vista muy diferentes. El resultado, de apenas 90 segundos de duración e inspirado a partes iguales por Woody Allen y Godzilla, se tituló "Ciudad XXI", y fue la vencedora de la Primera Muestra "Visionaria, conceptos de ciudad", organizada por proa2020 y la Asociación de cine Vértigo a principios de 2011. El huevo y la gallina. O, en este caso, el pollito.

CIUDAD XXI from Los de Lito Films on Vimeo.

Quienes quieran seguir los pasos de Pantaleón, tienen la oportunidad de participar en la segunda edición de esa Muestra. En esta ocasión, los participantes deben resumir en un minuto o minuto y medio cómo ven la relación de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria con la cultura. Con esta Muestra-Concurso se pretende abrir la posibilidad a las realizadoras y realizadores canarios, tanto amateurs como profesionales, y a la ciudadanía en general, de demostrar su creatividad y amor por Las Palmas de Gran Canaria, a través del cine. Al igual que en la convocatoria anterior, los participantes deben ser mayores de 18 años y acogerse a la temática específica antes citada, pudiendo optar por una aproximación abstracta, minimalista, global o lineal sobre. El cartel de esta edición, obra de MAT Publicidad, toma como punto de partida una fotografía de Teresa Correa y, de alguna forma, anticipa una de las múltiples vías de aproximación posibles a lo que pretende Visionaria.

Los concursantes tienen tiempo para inscribirse hasta el 15 de enero, entregando por correo certificado, por mensajero o en mano, en las oficinas de proa2020 ubicadas en la calle Rafael Cabrera, 1, 2 planta, oficina 4, de la capital grancanaria, la ficha de inscripción y el cortometraje en formato, preferiblemente, DVD. De entre todos los cortometrajes presentados, un jurado formado por tres personas de reconocido prestigio en el ámbito de la cultura, elegirán los trabajos galardonados con el premio al Mejor cortometraje y al Segundo mejor cortometraje dotados con un premio de 1.000 € y 500 €, respectivamente; el Premio del Público, que será para el cortometraje elegido por votación directa del público asistente el día de la proyección, y el Premio del Jurado, consistirán en una placa. Para más información puede visitar la web www.proa2020.org, en la pestaña ubicada en la página de inicio 'Visionaria, conceptos de ciudad'.

Después del éxito de "La Pantera Rosa", Blake Edwards quiso apostar de nuevo por Peter Sellers, pero ya como estrella absoluta de la función. El título elegido no dejaba lugar a la duda, "El nuevo caso del Inspector Clouseau" (1964), pero el resultado final no fue especialmente grato. Director y actor siguieron colisionando durante el rodaje, ahora con más fuerza que en su primer trabajo juntos, declarando públicamente tras el estreno de la película que nunca más trabajarían juntos.

Edwards se embarcó a continuación en una comedia de tintes faraónicos, "La carrera del siglo", protagonizada por Jack Lemmon, Tony Curtis, Natalie Wood, y Peter Falk. Costó doce millones de dólares y no fue bien recibida por la crítica, teniendo el dudoso honor de ser considerada como el primer gran fracaso de Blake Edwards. Una comedia antibelicista ("¿Qué hiciste en la guerra, papi?", 1966) y la adaptación de su propia serie de televisión ("Gunn" - 1967) no llegaron a permitir que Edwards recuperase todo el crédito perdido. Simultáneamente, Sellers fue encadenando trabajos con algunos directores de renombre como Clive Donner ("¿Qué tal, Pussycat?", 1965), Vittorio de Sica ("Tras la pista del zorro", 1966) o John Huston ("Casino Royale", 1967), pero sin ganar el mismo prestigio que alcanzó con Edwards. Parecían condenados a tragar sapos y aprovechar el torrente de talento del otro en beneficio de sus carreras. Y así fue.

Decidieron que tenían que escaparse del personaje de Clouseau. Sin perder el mismo sentido del humor de "La pantera rosa", decidieron amplificarlo en una nueva película titulada "El guateque". Se minimizaron los diálogos en beneficio de la arrolladora gestualidad de Sellers y de un toque a medio camino entre Tati y el absurdo, realmente sorprendente para una producción del Hollywood de aquellos años. El guion con el que se empezó el rodaje tenía apenas 63 páginas (el más corto rodado por Edwards, según sus propias palabras) y fue más bien el punto de partida para unas innumerables sesiones de improvisación encabezadas por Sellers. Éste interpreta a Hrundi V. Bakshi, un peculiar actor hindú que trabaja como extra en Hollywood. Durante un rodaje, su torpeza innata provoca la destrucción del decorado y su despido. No obstante, recibe por error una invitación a una fiesta que da el productor de la película. Allí, el caos que rodea a Hrundi surge en forma de una invasión de espuma, un elefante bebé, un camarero alcohólico, un pollo volador, una troupe de músicos rusos y un lorito.

Fue la única colaboración entre Edwards y Sellers fuera del universo de Clouseau. Relegada durante muchos años, hoy es una obra de culto, al igual que el trabajo de Mancini para esta película, poco valorado en su momento. El compositor llegó a decir que "eso me pasa por escribir buena música para una comedia. La gente se ríe y no atiende a la música." Se proyecta en el CICCA el 19 de diciembre 2011 a partir de las 19:30 horas, como cierre del ciclo que la Asociación de cine Vértigo ha dedicado a este maravilloso tándem.

Alvear fue presidente argentino durante seis años, y se le recuerda por su decidida voluntad de conseguir una sociedad armoniosa y sin conflictos, al mismo tiempo que convirtió a la economía argentina en un referente mundial al alcanzar el 6º puesto en lo que a P.I.B se refiere. Pero también se le recuerda por cierto afán exhibicionista, sobre todo en lo que a inauguraciones se refiere. En ningún otro periodo se hicieron tantos monumentos, ni tantos nuevos edificios públicos. Uno de ellos fue la ESMA (Escuela de Mecánica de la Armada), fundada el mismo año que el estadio de Boca, en 1924, aunque fue oficialmente inaugurado el 12 de octubre de 1928. Se trataba de un edificio destinado a la formación de suboficiales de esa institución en mecánica e ingeniería de navegación.

Durante décadas, su regia fachada saludaba a los bonaerenses a su paso por lo que hoy se conoce como Avenida del Libertador. Pero desde el 24 de marzo de 1976, aquella majestuosidad se convirtió en una tenebrosa presencia. El ejército argentino no podía dejar pasar la ola reaccionaria que había acabado con todas las democracias colindantes, y tomó el poder de forma fiera y despiadada. Desde aquel mismo día, la ESMA se convirtió en un centro clandestino de detención, pero no en uno cualquiera, ya que terminó por convertirse en el más grande y activo de todos los centros de detención del régimen.

La reconstrucción de los trágicos acontecimientos ocurridos dentro de la Escuela tras el golpe militar de 1976, es el eje de un documental titulado "ESMA. Memorias de la Resistencia", que se estrena en España el jueves 15 de diciembre en la Casa de Colón, Las Palmas de Gran Canaria, a partir de las 20.30 horas y con entrada gratuita. La Asociación Ex-Detenidos Desaparecidos y el Centro de Profesionales por los Derechos Humanos, presentan un trabajo que se sostiene en los relatos de quienes estuvieron allí en cautiverio y lograron sobrevivir. Esta proyección forma parte de la programación de "Colón Cinema", coorganizada por la Asociación de cine Vértigo.

A veces un camino se tuerce para mejor. Los capitostes de la United Artist estaban dándole vueltas a "La pantera rosa", un proyecto con el que rentabilizar a David Niven, en la cresta de la ola gracias al Oscar alcanzado en 1958 por "Mesas separadas". Niven estaba disfrutando de una segunda juventud en lo que a popularidad se refiere, y era ideal para encabezar el cartel de cualquier producción de los grandes estudios. Idearon una comedia sofisticada protagonizada por un glamuroso y elegante ladrón de joyas, el cual, por supuesto, encarnaría Niven. A su lado, la belleza animal de Ava Gardner, con quien acababa de trabajar en la taquillera "55 días en Pekín", y un secundario de lujo y amigo de Niven, el camaleónico Peter Ustinov, quien estaba todavía sacando brillo al Oscar recibido por "Espartaco" (1960), y que daría vida al policía que sigue los pasos del ladrón.

Al mando del proyecto, Blake Edwards, bien arropado tras sus éxitos de taquilla anteriores. Todo parecía estar en su sitio. Sin embargo, la Gardner se puso en plan "estrellita" y mandó un interminable listado de caprichos asociado a su contrato que acabaron con la paciencia del estudio, y Ustinov abandonó el proyecto un par de días antes de iniciarse el rodaje, de forma muy poco delicada. Para el papel femenino se apostó por la no menos bella actriz y modelo francesa Capucine. Pero para sustituir a Ustinov, Edwards tuvo muy poco tiempo. Estaban a viernes y empezaban a rodar el lunes siguiente. Casi sin tiempo a pensárselo mucho, se decidió por un actor británico con fama de difícil, pero bastante efectivo: Peter Sellers.

Sellers y Edwards se convirtieron en una pareja singular durante este rodaje y durante el resto de sus vidas. Ambos tenían un sentido del humor muy peculiar y a la hora de rodar se retaban constantemente a hacer nuevas tomas, improvisaciones, cambios de guión, etc. Niven, acostumbrado a rodajes más envarados, se sintió desde el principio muy lejos de aquella pareja de locos que estiraban una y otra vez cada toma, repitiéndola cada vez de forma totalmente distinta a la anterior. Entre risas y tremendas discusiones, Edwards se fue dando cuenta del enorme potencial que le brindaba Sellers, un actor que sabía cómo impregnar su interpretación con la esencia de algo que Edwards amaba con locura, el humor del cine mudo americano.

Edwards fue dándole cuerda a Sellers poco a poco, permitiéndole que "robara" planos a la estrella principal (Niven) con total descaro, y convirtiendo a su Inspector Clouseau, personaje inicialmente secundario, en el alma de "La pantera rosa" y, posteriormente, en el protagonista de las siete secuelas de esta comedia de altos vuelos. Además, los créditos iniciales de esta película presentaron una fantasía animada obra de DePatie-Freleng Enterprises, y en la que el animador Hawley Pratt creó un personaje inspirado físicamente en el Clouseau de Peter Sellers e inventó a una verdadera pantera rosa como alter ego del irascible y torpe inspector francés. Esos dos personajes alcanzaron tanta popularidad que se les dio su propia serie de televisión, "The Pink Panther Show", en la que la música creada para Mancini para la película se convirtió en una de esas tonadas que forman parte de la banda sonora de nuestras vidas.

"La pantera rosa", se proyecta en el CICCA, el lunes 12 de diciembre a partir de las 19.30 horas y con entrada gratuita (previa retirada de invitación en el propio CICCA), dentro de un ciclo de cine que la Asociación de cine Vértigo le dedica al director Blake Edwards y al músico Henry Mancini.

La última proyección de este ciclo será la siguiente:

19 de diciembre: El guateque, de Blake Edwards (EEUU, 1968. 99')

En 1952 entró en el cine gracias a un contrato como compositor de apoyo en la Universal. Aunque no apareció en los créditos, su primer trabajo fue para Douglas Sirk, "¿Has visto a mi chica?" (1952). Su nombre se pudo ver por primera vez en la pantalla como escritor de una de las canciones de "El caballero del Missisipi" (Rudolph Maté, 1953). Admirado por la introducción del jazz en sus composiciones, Mancini fue requerido por Stanley Donen ("Charada"), Howard Hawks ("Hatari!") o Vittorio de Sica ("Los girasoles"), pero será recordado por su vinculación con Blake Edwards, a quien conoció en 1957, cuando compuso la banda sonora del tercer largometraje dirigido por éste, "El temible Mr. Cory".

Nacido en 1922 en Tulsa, el suegro de Edwards había sido productor y su padre director de cine mudo. Esos contactos le permitieron iniciar su carrera como actor en 1942, con un pequeño papel sin acreditar a las órdenes de Henry Hataway en "Diez héroes de West Point". Trabajó para Otto Preminger, John Ford o William Wyler, pero su actitud irreverente le generó mala fama. En 1948 produce y escribe el guión de un western en el que se reserva un papel secundario, "Imperio del crimen". Poco después, en 1953, firma su primer trabajo como director en uno de los capítulos de la serie de televisión "Four stars Playhouse". Su debut como director de largometrajes se produce en 1955 con la comedia musical "Venga tu sonrisa".

Hasta su muerte en 2010, Edwards se granjeó fama de ser un gran profesional. Según su propio credo, "... alguien que quiere expresarse artísticamente dentro de esta industria tiene que cumplir lo que promete, no perder su integridad y esperar que al final del camino sigan a su lado un par de buenos amigos que le entiendan." Señalado como un "mero director de comedias", supo demostrar su valía en el drama. Nunca ganó un Oscar como director, ni fue candidato en esa categoría. Lo más cerca que estuvo de ser premiado fue en 1983, nominado como guionista de "¿Víctor o Victoria?". En 2004, en una demostración de remordimiento de conciencia de la Academia, recibió un Oscar honorífico por su trayectoria.

Su gran amigo Mancini sí fue premiado, pero se llevó más palos que alegrías. Alcanzó diez nominaciones en la categoría de mejor canción, ganando dos ("Días de vino y rosas" y "Desayuno con diamantes"). En la de mejor compositor tuvo seis nominaciones y dos triunfos, "Desayuno con diamantes" y "¿Víctor o Victoria?". Mancini falleció en 1994, el mismo año en que Edwards inició su último trabajo como director, una versión televisiva de "¿Víctor o Victoria?". Ambos trabajaron juntos en treinta largometrajes, tres telefilmes y dos series televisión, sin duda una de las colaboraciones más largas y provechosas del cine americano.

La Asociación de cine Vértigo dedica sus proyecciones del mes de diciembre de 2011 a tres de las películas en la que coincidieron los talentos de Blake Edwards y Henri Mancini. La primera de ellas se proyectará el lunes 5 de diciembre, a partir de las 19.30 horas y con entrada gratuita. Su título, "Desayuno con diamantes" (1961), sin lugar a dudas una de las piezas fundamentales sobre las que se ha construido el mito del cine americano. Cuenta la historia de un joven escritor, mantenido por una mujer mucho mayor que él, que se muda a un edificio de apartamentos. Allí conocerá a una peculiar vecina, la joven y bella Holly, una aspirante a actriz que va sin rumbo por la vida, siempre disconforme y un tanto alocada, y que solo es feliz visitando la tienda de diamantes Tyffany's.

La mística de esta gran película se construye sobre una increíble suma de casualidades. Truman Capote vendió los derechos de su novela "Breakfast at Tiffany's" e insistió en que la protagonista fuese Marilyn Monroe. Sin embargo Lee Strasberg convenció a Marilyn para rechazar el papel, alegando que interpretar a una puta sería malo para su carrera. Cosas de la vida, hoy nadie se imagina a otra Holly que no sea Audrey Hepburn.

La decisión de asignar a Edwards como director sorprendió a muchos, ya que no tenía detrás una carrera especialmente brillante. Pero su trabajo en la dirección hizo callar muchas bocas, colocándole como figura de culto entre la crítica. Su complicidad con Mancini dejó para la historia el tema "Moon river", a pesar de que los ejecutivos del estudio estuvieron a punto de eliminar esa canción. Felizmente, Audrey Hepburn se puso del lado de Edwards y Mancini: "¿Quitar esa canción? ¡Sobre mi cadáver!"

El resto de proyecciones de este ciclo serán:

12 de noviembre: La pantera rosa, de Blake Edwards (EEUU, 1963. 115')
19 de noviembre: El guateque, de Blake Edwards (EEUU, 1968. 99')

La película fue premiada en el Festival de Venecia, pero la crítica se dividió ante ella. Solamente encontró parabienes entre los medios de derechas, quienes encontraron valores estéticos admirables en aquella historia de amoríos místicos en medio de las montañas. Había cierta exaltación de la belleza aria que, en aquel momento de la historia alemana, fue objeto de encendidos debates. Riefenstahl volcó en su trabajo con la cámara y en su pulso narrativo la inspiración que cada día obtenía de las páginas de su libro de cabecera: "Mein kampf", de Adolf Hitler.

"Aquel libro me impresionó. Me transforme en nacionalsocialista nada más acabar la primera página. Supe que un hombre que era capaz de escribir así podría, sin ninguna duda, liderar Alemania. Sentí una gran felicidad por haber descubierto a aquel hombre"

Curiosamente, Hitler también había descubierto en Riefenstahl un filón por pulir. Sintió una cierta fascinación por el retrato que de la mujer aria se hacía en "La luz azul", pero sobre todo por la responsable de aquel retrato. Por eso mandó llamar a Riefenstahl, a la que encargó filmar uno de los apoteósicos encuentros nazis en Nuremberg, en 1933. Aquel primer documental, titulado "Der Sieg des Glaubens", fue muy mal recibido por gran parte del Partido Nazi, receloso ante una mujer que, además, no era miembro del Partido. No obstante, la confianza y la insistencia de Hitler en el talento de Riefenstahl hizo que se le encargase una nueva película en 1934, "El triunfo de la voluntad", la cual ilustra con enorme brillantez visual el Congreso del Partido Nacionalsocialista de 1934 en Núremberg. El uso de un gran número de cámaras en permanente movimiento, el juego de perspectivas, un revolucionario empleo de la banda sonora y un gran sentido del ritmo han convertido a esta película en una de las obras propagandísticas más famosas de la historia, además de punto de partida para tantas otras formas de manipulación audiovisual.

Riefenstahl parecía disfrutar de la apoteosis nazi. Gustaba de aparecer vestida con ropa militar durante los años gloriosos del Reich, y su estrella brilló hasta la llegada de las tropas aliadas a Berlín. Para añadir más controversia a su vida y su obra, cuando fue finalmente detenida en Austria sostuvo que ella solamente era una cineasta, que no sabía nada de política y que no tenía ni idea de la existencia de los campos de exterminio, algo evidentemente discutible. De alguna extraña manera, consiguió salir bastante bien parada de los juicios a los que fue sometida, ya que únicamente sufrió la confiscación de sus bienes. Años más tarde llegó a afirmar que lo peor que le había pasado en su vida era haber conocido a Hitler. Pocos la creyeron.

Riefenstahl murió tranquilamente en su cama, poco tiempo después de cumplir 103 años. Su legado cinematográfico es indudable, pero también la polémica que rodeo su vida y su obra, algo que seguramente será debatido en la proyección de "El triunfo de la voluntad" el 28 de noviembre en el CICCA, a las 19.30 horas, como colofón al ciclo que la Asociación de cine Vértigo ha dedicado en noviembre al género de la "No ficción".

Celebradas entre el 14 y el 17 de mayo, aquellas Conversaciones intentaron generar una mesa de debate libre, donde abordar de forma reflexiva y crítica la situación del cine español. Entre otros muchos miembros del sector, a la llamada de Martín Patino acudieron Antonio Del Amo, Sáenz De Heredia, Berlanga, José María Pérez Lozano, Antonio Cuevas, Fernán Gómez o Eduardo Ducay. Pero también se les unió un joven director llamado Juan Antonio Bardem que acababa de presentar en Cannes una película titulada "Muerte de un ciclista".

Bardem pertenecía a una estirpe de gran tradición escénica. Hijo de los célebres actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro, compartió en su niñez la vida errante de los cómicos de la época, aunque sus padres insistieron en que "se hiciera un hombre de provecho", y quizás por eso, llegó a convertirse en Ingeniero Agrónomo. Mientras estudiaba, consiguió pequeños trabajos en el Ministerio de Agricultura con los que completar su formación. Curiosamente, allí recibe el encargo de incorporarse al Departamento de Cine del Ministerio, algo que le hace retomar su vena artística. Cuando en 1947 se crea oficialmente el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), Bardem ingresa en él dispuesto a dedicarse de lleno al cine. Allí conocerá a otra figura mítica, Luis García Berlanga, con quien colabora en varios cortos antes de escribir y dirigir al alimón su debut en el cine, "Esa pareja feliz" (1951). Ambos repiten colaboración en la escritura con "Bienvenido Mr. Marshall", dirigida por Berlanga, y una de las obras más renombradas de cine patrio.

A partir de ese momento, Bardem acentúa su posicionamiento político, entrando a formar parte del Partido Comunista e intentando colaborar con cualquier movimiento de debate y de crítica que requiriese de sus servicios, aun a costa de perder el lugar que se había ganado dentro de la industria. Por eso a nadie extrañó su presencia en Salamanca, ni tampoco que una de las frases más célebres de aquellas jornadas llevase su firma:

"El cine español actual es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico."

Bardem acudió a Salamanca apenas cuatro días después del estreno en Cannes de "Muerte de un ciclista", con la que, contra todo pronóstico, alcanzó el Premio de la Crítica en el citado Festival. Calificada por la censura franquista como "gravemente peligrosa", no se pudo ver en España hasta que se proyectó en un cine de la Gran Vía madrileña el 9 de septiembre de ese mismo año. La trama de esta película se centra en el personaje de María José, una joven dama de la burguesía madrileña, y su amante Juan, un profesor universitario. En medio de uno de sus encuentros furtivos, atropellan accidentalmente a un ciclista, al que abandonan a su suerte sin querer prestarle la más mínima ayuda. Debió molestar, y mucho, el retrato agrio y despiadado que se hace de quienes en aquel momento se aferraban a sus privilegios. Todo valía a la hora de mantenerse en lo alto de la pirámide, parecen decirnos los protagonistas de esta historia con su forma de actuar. Muchos años después de todo aquello, y a pesar de varios desencuentros personales, Basilio Martín Patino siguió manteniendo una opinión muy positiva sobre la figura de Juan Antonio Bardem:

"Bardem y Berlanga fueron los cabos gastadores que abrieron el desfile. Ellos tuvieron otra manera de hacer cine. El Bardem de los cincuenta, el de "Cómicos" o "Muerte de un ciclista", tenía una manera de iluminar, de encuadrar, de meter la música que lo hacía diferente a todo lo que se hacía. A Bardem lo conocí en su mejor momento. Era una personalidad deslumbrante, nueva, lógicamente avasalladora. Creo que fue una fortuna para mí el haber tenido la oportunidad de tratarle."

"Muerte de un ciclista", título emblemático del cine español, se proyecta el jueves 24 de noviembre en la Casa de Colon, a partir de las 20.30 horas y con entrada gratuita.

Cuando las hordas protestantes de Oliver Cromwell se lanzaron sobre las costas de Irlanda, los católicos no lo pasaron nada bien. A los más afortunados, al menos, se les dio la oportunidad de elegir entre irse de cabeza al infierno o largarse a Connacht, la más pequeña de las provincias irlandesas. Era un terreno gélido, duro, escasamente fértil y muy castigado por la dureza del Atlántico. Pero mejor eso que el cementerio, debieron pensar todas las familias que allí se instalaron. Los más atrevidos prefirieron dar con sus huesos en algunas de las islas que se diseminan a lo largo de la costa de esta provincia, como por ejemplo, las Islas de Arán.

Sería precisamente el hijo de un pastor protestante irlandés, el documentalista Robert J. Flaherty, quien elegiría estas islas de dura belleza para enmarcar el que sería su tercer largometraje, "Hombres de Arán" (1934). Después del sonado éxito de su debut en 1922 con "Nanook, el esquimal", la Paramount le había dado carta blanca, aprovechada por Flaherty para irse a Samoa y rodar en un entorno mucho menos inhóspito "Moana" (1926), una obra que si bien no tuvo tanto éxito en Hollywood, fue muy bien recibida en Europa. Se cuenta que John Grierson, un joven crítico escocés con aspiraciones de cineasta, firmó en el New York Post una reseña muy favorable tras el estreno de esta película, especialmente por su "valor documental", siendo considerada ésta la primera vez que se empleaba este término, "documental", con el cual se ha conocido durante años al cine de "No ficción".

El gran Irving Thalberg le abrió después las puertas de la Metro para rodar junto a W. S. Van Dyke un drama titulado "Sombras blancas" (1928). Sin embargo, las diferencias de estilo y personalidad entre ambos directores se fueron agrandando a medida que avanzaba el rodaje, provocando la salida de Flaherty del proyecto. Avalado todavía por el éxito de Nanook, Hollywood quiso darle una nueva oportunidad, y fue contratado en 1929 por la Fox para rodar "Acoma the Sky City", un documental sobre los nativos Americanos. Flaherty estuvo ocho meses conviviendo con los nativos, pero por problemas de producción, se paralizó el rodaje y, posteriormente, un incendio destruyó el metraje existente. Su carrera se tambaleaba, y aceptó aportar su experiencia en el género en favor de la mítica "Tabú" (1931), de F. W. Murnau, también rodada en los mares del sur.

Cuando ya apenas tenía oportunidades en Hollywood, Flaherty recibió una llamada del Empire Marketing Board Film Unit in London. Había sido recomendado por aquel joven crítico escocés, John Grierson, quien idolatraba su manera de filmar. Sin embargo, cuando Grierson constató la facilidad con la que Flaherty gastaba metros y metros de película, decidió que era mejor apartarle de la dirección en aras de mantener un cierto control presupuestario. Estando en Inglaterra, el avispado productor Alexander Korda pensó en él para dirigir "Elephant Boy", una película de aventuras que adaptaba un cuento de Kipling", pero fue nuevamente expulsado del proyecto, en beneficio del propio hermano del productor, Zoltan Korda, quien finalmente fue acreditado como director del mismo.

Aunque la situación era realmente desesperada, volvió a presentársele otra oportunidad cuando el productor Michael Balcon le ofrece la posibilidad de rodar un documental que mostrase la dureza del día a día de los habitantes de las Islas de Arán. Así, después de tantas penalidades, fue como Flaherty llegó a la que, para muchos, es su mejor película y uno de los documentales sagrados de la historia del cine. Paradójicamente, es también una obra cargada de ficción, por lo que sirve para añadir más madera a la polémica sobre la validez o no del término "documental".

A Flaherty, como ya había demostrado en Nanook, sentía una gran fascinación por ilustrar los esfuerzos del ser humano para sobreponerse a la dureza de su entorno. Poco le importó, por ejemplo, que la técnica para cazar tiburones que emplean sus personajes en "Hombres de Aran" llevase varias décadas sin ser empleada. De hecho, Flaherty decidió ubicar en el centro de la narración a una familia, pero eligió a tres habitantes de las islas sin vínculos familiares entre ellos para encarnar al padre, la madre y el hijo. Los eligió por su físico y por la expresividad de sus rostros, algo que realmente responde a los cánones de un casting para una producción de ficción.
En cualquier caso, es una obra cautivadora, filmada con notable brío y que ilustra con gran belleza poética las duras condiciones de vida de aquellas islas. Hay drama, ternura y dolor, y un entorno tan bello como árido, tan tierno como salvaje. Ganadora del Premio a la Mejor Película extranjera en el Festival de Venecia, "Hombres de Arán" se proyecta el lunes 21 de noviembre en el CICCA, a partir de las 19.30 horas, dentro de un ciclo que la Asociación de Cine Vértigo está dedicando al género de la "No ficción".

Este ciclo terminará con la proyección "El triunfo de la voluntad", de Leni Riefenstahl, el 28 de noviembre.

Vladímir Ilich Lenin principal dirigente de la Revolución de Octubre y primer dirigente de la Unión Soviética, fue acribillado a balazos el 30 de agosto de 1918. A la salida de una fábrica en la que había pronunciado uno de sus habituales discursos, una activista revolucionaria llamada Fanny Kaplán le gritó, buscando que Lenin se girase hacia ella. En aquel momento, Kaplán le asestó tres disparos. Uno le atravesó el abrigo y los otros dos le alcanzaron el hombro y el pulmón izquierdos.

Lenin arrastraba muchos problemas de salud, achacados comúnmente al gran estrés derivado de su implicación en la Revolución y la Guerra, aunque otras fuentes citan la sífilis como una de las dolencias que más le castigaron. Pero lo cierto es que el atentado agravó su situación, sobre todo por el hecho de que una de las balas quedó alojada en su cuello, cerca de su espina dorsal, sin que los médicos pudieran extraerla. En mayo de 1922 comenzó a sufrir infartos con peligrosa frecuencia, señal que aprovechó la maquinaria del partido para reducir su peso en las decisiones de gobierno. En diciembre de ese mismo año sufrió un segundo y más intenso infarto, culpable de la paralización parcial del lado derecho de su cuerpo. En marzo de 1923 otro ataque al corazón le dejó sin habla y en cama. Finalmente, falleció el 21 de enero de 1924, a la edad de 53 años. Las colas para rendirle homenaje fueron interminables.

Tras su muerte, se inició un proceso de castigo contra gran parte de su aparato y de sus colaboradores, algo que derivó en lo que se conoce como "La Gran Purga", una masiva campaña de represión y persecución política iniciada a finales de los años 30, y que terminó con la ejecución de cientos de miles de sospechosos o, en el mejor de los casos, su envío a durísimos campos de concentración. Este fue un proceso lento en el arranque, pero demoledor con el paso de los años. Afectó a todos los sectores por igual, sin importar si se era un político, un militar un intelectual o un obrero. En el campo de la cultura, se dieron paradojas terribles, como lo ocurrido con uno de los cineastas soviéticos más influyentes de todos los tiempos: Dziga Vertov.

Convertido en el motor de una nueva concepción del arte cinematográfico tras el estreno en 1924 de "El hombre de la cámara", el cine de Vertov era uno de los ejes sobre los que giraba la importante industria propagandística soviética. Sus trabajos eran esperados con devoción, y el Kremlin besaba el suelo que este director pisaba. A nadie extrañó que en los últimos años de vida de Lenin se le encargara la realización de un largometraje titulado "Tres canciones sobre Lenin", con el que se pretendía realizar un retrato amable sobre la figura del líder soviético a partir de tres canciones populares. La producción de esta obra de apenas 57 minutos, donde por cierto interviene La Pasionaria, finalizó en enero de 1934, coincidiendo con la muerte de Lenin, pero su estreno no se produjo hasta diez meses después, y sin que tuviese ya respaldo alguno del aparato. No era el momento de "hablar bien de Lenin". Cuatro años más tarde se presentó una nueva versión de esta obra, cambiando parte del metraje original por un extraño añadido en el que se ensalzaban los logros alcanzados por Stalin en ese lapso de tiempo. Vertov nunca fue el mismo hombre de antes. Jamás recuperó su estatus, y quedó reducido a un mero editor de noticieros propagandísticos hasta su muerte, en 1954.

Su obra, sin embargo, superó el ninguneo del régimen, y hoy en día es considerado uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. Su rastro es hoy muy fácil de localizar entre los cineastas que transitan el peliagudo terreno de la "No Ficción". Su obra fundamental, "El hombre de la cámara", se proyecta el lunes 14 de noviembre en el CICCA, a partir de las 19.30 horas, dentro de un ciclo que la Asociación de Cine Vértigo está dedicando a ese género.

Con esta obra, Vertov intentó ilustrar un día en la vida de un operador de cámara, dedicado desde el alba hasta el anochecer a filmar una ciudad soviética cualquiera. Instantáneas callejeras, el fragor de las fábricas, la vida en los hogares... bocetos de una realidad que adquieren un significado ideológico preciso gracias a una brillante técnica de montaje. "El hombre de la cámara" puede ser considerada como el eje práctico sobre el que Vertov volcó los manifiestos de su grupo "Cine-Ojo": "Lo fundamental: usar la cámara como un ojo fílmico más perfecto que el ojo humano para explorar el caos de los fenómenos visuales que llenan el universo. El drama cinematográfico es el opio del pueblo. ¡Abajo las fábulas burguesas y viva la vida tal y como es!".

El resto de proyecciones de este ciclo son las siguientes:

21 de noviembre: Hombres de Arán, de Robert J. Flaherty
28 de noviembre: El triunfo de la voluntad, de Leni Riefenstahl

La gigantesca Bahía de Hudson baña las costas de algunas de las principales regiones de Canadá, como Quebec, Ontario, Manitoba o Nunavut. Esta última debe su nombre al orgulloso pasado de sus habitantes originales, los inuit, en cuya lengua, el inuktitut, significa "Nuestro territorio". Forma parte del actual mapa político de Canadá desde 1999, y su extenso territorio ocupa una extensión de casi 2.100.000 km2. En su límite septentrional roza el norte de Groenlandia, y las islas Belcher, en medio de la Bahía del Hudson y casi en la costa de Quebec, marcan su frontera sur. Las Belcher son un ramillete casi infinito de islas extrañamente rocosas y áridas, apenas habitadas. Su suelo es extremadamente pobre, por lo que a diferencia de lo que ocurre en el resto de ese territorio, no hay árboles en ellas.

Hasta 1913 se sabía muy poco de estas islas, apenas habían sido visitadas y estaban muy mal cartografiadas. En ese año, un minero de origen irlandés llamado Robert J. Flaherty fue incluido en una expedición encargada de sondear el subsuelo de esas islas. Su jefe, Sir William Mackenzie, le sugirió que llevase consigo una cámara para tomar algunas imágenes de aquel territorio ignoto. Flaherty encontró una vieja cámara Bell and Howell, y con ella comenzó a filmar compulsivamente. Todo era nuevo, salvaje y sugerente, pero lo que más le llamó la atención fue el encuentro con los habitantes del lugar, el pueblo Inuit. Se convirtió en una obsesión, no paraba de filmar y su jefe incluso le llamó la atención, porque estaba desatendiendo las labores para las que realmente había sido llevado a la isla. Pero poco le importaron aquellos avisos: de vuelta a Toronto, se dio cuenta de que tenía más de 21.000 metros de película y un auténtico tesoro etnográfico entre manos. Desgraciadamente, un cigarro mal apagado en la sala de montaje acabó con gran parte del metraje y abrasó las manos de Flaherty. El material recuperado fue exhibido, pero nunca tuvo el aprecio del director: "Son escenas sueltas. No hay la conexión que yo encontré. A mí me aburre. Y a la audiencia también".

Aquello encorajinó sobremanera a Flaherty, quien estuvo dándole vueltas durante mucho tiempo a la forma de acercarse de nuevo a este proyecto. Siete años después, y gracias a la inesperada aportación económica de unos comerciantes franceses de pieles (seguramente interesados en un posible negocio con los habitantes de las islas), Flaherty pudo empezar su gran aventura. El 15 de agosto de 1920 atracó en Port Harrison, Quebec, cargando con dos cámaras Akeley y con el material necesario para una proyección. Quería ir mostrando su trabajo a los Inuit de forma paulatina, y ver cómo éstos reaccionaban.

Flaherty se mezcló con los Inuit, y fue eligiendo a quienes formarían parte de su filmación. Uno de los miembros de la comunidad, llamado Allakariallak, le resultó especialmente interesante, y decidió que ese iba a ser el protagonista de su historia. Eligió para él el nombre con el que se dio título a su película, título con el que hoy en día se recuerda al que, posiblemente, sea el primer documental de la historia del cine; "Nanook, el esquimal".

Los límites entre ficción y documental, la planificación de la progresión dramática, la recreación de escenarios de forma que se adaptasen a las limitaciones de filmación... Ésas y otras cuestiones han sido eternos temas de debate en relación a esta obra. El supuesto carácter "benefactor "de Flaherty también se ha puesto en entredicho, sobre todo después de saberse que tuvo un hijo ilegítimo con una de las protagonistas de su documental, hijo al que nunca reconoció y al que nunca ayudó, ni siquiera cuando fue desplazado junto al resto de su pueblo hasta una inhóspita reserva cerca del Ártico.

Los ríos de tinta vertidos alrededor del carácter veraz de este documental han dado (y siguen dando) mucho de qué hablar. Su proyección el lunes 7 de noviembre en el CICCA supondrá una oportunidad muy interesante para debatir sobre éste y otros asuntos. Eso será a partir de las 19.30 hora y con entrada gratuita, iniciándose con esta proyección un ciclo que la Asociación de cine Vértigo dedica a los "Fundamentos de la No-ficción" y que durante el mes de noviembre tendrá las siguientes proyecciones:

14 de noviembre: El hombre de la cámara, de Dziga Vertov
21 de noviembre: Hombres de Arán, de Robert J. Flaherty
28 de noviembre: El triunfo de la voluntad, de Leni Riefenstahl