Novedades en la categoría Filmoteca canaria

En los últimos 8 años, la Asociación de cine Vértigo ha intentado arrancar del olvido algunas de las producciones audiovisuales más interesantes de Iberoamérica, incluyéndolas en la Muestra de cine Iberoamericano - Ibértigo. Este evento cuenta habitualmente con un conjunto de entidades colaboradoras, públicas y privadas, que mediante sus patrocinios, apoyos económicos o logísticos permiten su continuidad. Filmoteca Canaria es uno de esos "compinches".

Presente en casi todas las ediciones de la Muestra, Filmoteca Canaria ha intentado además dar continuidad a las intenciones de la misma, prolongando su presencia en otras islas. En más de una ocasión se ha realizado una selección de esta Muestra para su proyección en El Hierro, La Palma, Tenerife o Fuerteventura, isla ésta en la que este año se repite la experiencia.

Durante este mes de noviembre ya se han proyectado algunos de los títulos del ciclo, que terminará en diciembre. Las proyecciones tienen lugar en el Centro Bibliotecario Insular de Fuerteventura, en Puerto del Rosario, y reúne cinco de los largometrajes incluidos en Ibértigo 2010. Provenientes de países con muy distintas realidades, ofrecen estas obras un acertado repaso a la situación del sector audiovisual iberoamericano, suponiendo además una ocasión única para visionar obras cuya difusión, desgraciadamente, siempre se ve limitada por la tiranía de los circuitos comerciales.

Las proyecciones restantes son las siguientes (todas a las 20:30 horas):

2/12/2010 - Cementerio de elefantes Bolivia, 2008, 81 min.
Director: Tonchy Antezana.
Intérpretes: Cristian Castillo, Fernando Peredo, Julio Lazo, Wilson Laura, Lineth Hervas, Augusto Hinojosa, Rosa Paye, Ángel Terceros.
Guión: Tonchy Antezana.

Sinopsis: Juvenal tenía 14 años cuando empezó a beber. Ahora tiene 33 y vive en el "Cementerio de elefantes", el último y sórdido refugio donde los borrachos de La Paz, en Bolivia, van a morir. Dentro del cementerio se encuentra la ''suite presidencial'', donde Juvenal recordará su infancia y oscura adolescencia, mientras bebe hasta morir.

Director: Tonchy Antezana ha dirigido varias series de televisión y tres largometrajes en formato digital. El número de anuncios publicitarios y documentales que ha realizado supera la centena. En 2006 ganó el primer y segundo premio del Concurso de guiones Fedam - Petrobras.

Festivales y Premios:
Festival Internacional de Cine Independiente de New York (EEUU): Mejor director internacional.
Festival Latino de Trieste (Italia): Mejor actor.
Festival Internacional de Cine Orlando Hispanic (EEUU): Mejor actor.
Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos de Sucre (Bolivia): Premio del público, Mejor película y Mención especial.
Festival Latino Brasilero Paraná (Brasil): Mejor película y Mejor actor.
Festival Internacional de Cine de El Pasto (Colombia): Mejor director, Mejor película y Mejor película de temática indígena.
Festival Internacional Fenavid de Santa Cruz (Bolivia): Mejor película boliviana.
Festival Internacional de Uruguay.
Chicago Latino Film Festival (EEUU).
AFI Latino American Film Festival (EEUU).

9/12/2010 - Paseo Chile, 2008, 70 min.
Director: Sergio Castro San Martín.
Guión: Sergio Castro San Martín.
Interpretes: Gabriela Aguilera, Roberto Farías, Felipe Prieto.

Sinopsis: Una madre decide emprender un largo viaje junto a su hijo. Buscan al padre perdido hace diez años. Desde entonces, solamente silencio.

Director: Sergio Castro San Martín comienza sus trabajos en la realización cinematográfica en 2005, en la Escuela de Cine de Chile. Sus cortometrajes documentales y de ficción han sido seleccionados en festivales como IN-EDIT, FESANCOR, Festival Internacional de Cine de Valdivia, Festival de Cine de Ovalle y el Festival de Escuelas de Cine de Buenos Aires. Ha colaborado para productoras como "Tierravisión" y "Coquimbo Filmes".
Con apoyo del Fondo de Fomento Audiovisual dirige su ópera prima Paseo. Trabaja como director y montador de las productoras "Promedia" y "Victoria Films", con las cuales también logra el apoyo de CORFO para el desarrollo del proyecto documental de la banda "Electrodomésticos" y su segunda película de ficción Días de barrio.

Festivales y Premios:
Premio del Fondo de Fomento Audiovisual de Chile para escritura de guión 2007.
SANFIC (Chile): Mejor película chilena.
Festival Internacional de Cine de Viña del Mar (Chile).
Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile).
Festival de Cine B (Chile).

16/12/2010 - El árbol España, 2009, 70 min.
Director: Carlos Serrano Azcona.
Guión: Carlos Serrano Azcona.
Intérpretes: Bosco Sodi, Ana Casado Boch, Tito Eceizabarrena, Mayte Cedeño, Liuva Toledo.

Sinopsis: Santiago se separa de su familia. El juez no permite que se acerque a su mujer e hijos. Además, a consecuencia de esto y de su estilo de vida, se ve "obligado" a trabajar en el bar de un amigo. Allí es despedido. Así comienzan sus peores días en los cuales tendrá que enfrentar su realidad y la responsabilidad de cambiar o morir.

Director: Carlos Serrano Azcona (Madrid, 1969) es licenciado en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. En 2006, funda su productora "Estar Ahí Cinema". Con ella produce, junto a los directores Jaime Rosales y Carlos Reygadas y el productor Jaime Romandía, su primer largometraje como director y guionista, El árbol, filmado en Madrid. Esta película fue seleccionada para Cine en Construcción en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián que propició el arranque de su carrera internacional, participando en los festivales de Rotterdam, Buenos Aires, Moscú y Munich, entre otros.

Festivales y Premios:
Tofifest (Polonia): Mejor montaje.
Festival de Cine de Rotterdam (Holanda).
Festival de Cine de San Sebastián (España).
BAFICI (Argentina).
Festival de Cine Latinoamericano de La Habana (Cuba).
Festival Internacional de Cine de Guadalajara (México).
Viennale (Austria).

El pasado martes 3, en los Multicines Monopol de la capital grancanaria, y ayer jueves, en los Multicines Renoir Price de Santa Cruz de Tenerife, daba comienzo el ciclo "Focus Sudeste Asiático" con el que Filmoteca Canaria nos acerca a uno de los grandes territorios inexplorados de la cartelera cinematográfica, y que paradójicamente se ha venido consolidando como uno de los crisoles más destacados del cine actual. Abrió el fuego la película indonesia de 2008 "Blind Pig Who Wants to Fly" (o "Cerdo ciego que quiere volar", pues sigo sin entender la inveterada costumbre de titular el cine asiático en inglés, como ocurría recientemente con la última película de Hirokazu Kore-eda, "Still Walking", de la que hablábamos no hace mucho,en lugar de respetar el título original, en este caso "Babi buta yang ingin terbang", o simplemente traducirlo al español, con el consiguiente despiste del espectador no políglota).

En semanas sucesivas podremos asistir al pase de títulos llegados de cinematografías prácticamente desconocidas por el gran público (si obviamos a la audiencia festivalera, puesto que el Festival Internacional de Cine de LPGC suele prestar especial atención al pujante cine asiático), en una variopinta oferta que incluye títulos como "Service" del filipino Brillante Mendoza, brillante (si me permiten el fácil juego de palabras) pionero de la penetración del cine de su país en Occidente, que en fechas recientes obtuviera en el Festival de Cannes el galardón al mejor director por "Kinatay" (y al que tuvimos ocasión de conocer el pasado año con motivo de su visita a la isla), "The Rainbow Troops" ("Laskar pelangi" o "Las tropas del arco iris"), que estuviera nominada en la categoría de Mejor película en los Premios del Cine Asiático, al igual que otra de las cintas programadas, el musical "Opera Jawa".

En resumidas cuentas, una estupenda oportunidad de descubrir, o reencontrarse con, un cine repleto de sugerencias, afortunadamente alejado de los estereotipos, tipismos y folklorismos que suelen lastrar nuestra apreciación del cine asiático (o africano, sin irnos más lejos); aquello que el crítico Antonio Weinrichter definía atinadamente como "efecto kimono", según el cual el espectador occidental puede ver alterado el rigor de su juicio a causa de la atracción no cinematográfica que tienen unas imágenes rodadas siguiendo patrones culturales de los que, por lo general, poco o nada conoce, pudiendo llegar a conclusiones equivocadas (muy en la línea del "orientalismo" denunciado por Edward Said, que se concreta en una constelación de falsos prejuicios en el fondo de las actitudes occidentales con respecto a Oriente).

A la sombra del (discutible) título en su estreno español del "Zombi 2" de Lucio Fulci, procederemos a comentar algunos de los aspectos más reseñables de dos de los títulos actualmente en cartelera, "Rec²" y "Si la cosa funciona", haciendo convivir en psicotrónico programa doble el retorno neoyorquino de Woody Allen y la secuela (nunca fue más apropiado el término) de la odisea zombi de Balagueró y Plaza.

En primer lugar tenemos a quienes retornan de entre los muertos para animar la famélica taquilla otoñal. "Rec", dirigida con poderoso brío a cuatro manos por Jaume Balagueró y el habitualmente ninguneado Paco Plaza (autor no sólo de dos films de notable raigambre clásica, el polanskiano "El segundo nombre", y el hammeriano "Romasanta", sino también de una desopilante aproximación a la infancia ochentera, un delirante cruce entre "Verano azul", "Karate Kid" y "Los Goonies" titulado "Cuento de navidad" y englobado dentro de las "Películas para no dormir" auspiciadas por Chicho Ibáñez Serrador), conseguía encaramarse al tercer puesto de las películas más vistas del 2007 (sólo por detrás de "El orfanato" y la última entrega de "Piratas del Caribe"), propiciando así la singular hazaña de, no sólo generar una continuación, algo prácticamente olvidado por el cine español de terror desde los lejanos tiempos del Conde Waldemar Daninsky y de los templarios sin ojos de Amando de Ossorio, sino de volver a arrasar en los cines, habiendo recaudado ya casi 5 millones de euros.

"Rec²" se alza en un impagable carrusel de emociones fuertes, con constantes vaivenes entre el escalofrío y la hilaridad, que conscientemente se aparta de la condición de secuela/réplica mimética y/o hipervitaminada de su predecesora (como suele ser habitual en el cine de terror contemporáneo, véanse ejemplos recientes como las sagas "Saw" o "Destino final"), para postularse como extensivo catálogo del propio género, desde el subgénero de las posesiones demoníacas (con "El exorcista" como máximo referente) hasta los más descacharrantes artefactos de serie B (como la reivindicable "Hidden" del olvidado Jack Sholder), hollando de paso el territorio de los vídeojuegos de terror extremo (del tipo "Silent Hill" o "Fear", para entendernos) o los shoot 'em ups en primera persona.

Progresivamente vemos como la etiqueta genérica "zombi" se diluye en una maraña de posibles ramificaciones, en perfecta consonancia con las actuales derivas del cine de terror, que incluyen "infectados", "poseídos" y "colonizados", en un camino de ida y vuelta entre el fenómeno físico y la respuesta espiritual, siempre con el ojo puesto en la religión y las fuerzas del orden como último bastión, pero también puerta de entrada, para las fuerzas del mal.

Si tras "Alien" sólo era posible un "Aliens" que continuase, pero a la vez ampliase, el film original, Balagueró y Plaza son conscientes de que su huis clos precisaba renovar sus cimientos para no morir de éxito, y logran sobradamente su objetivo inyectando el metraje de nuevas propuestas argumentales, divertidas soluciones escénicas y personajes aún más esperpénticos que acaban convirtiendo "Rec²" en una de las más divertidas y terroríficas propuestas de la temporada, en consonancia con el Halloween que prácticamente se nos viene encima.

Valoración: 7/10

Luego están los que llevan largo tiempo muertos, pero aún no lo saben. Woody Allen lleva lustros cómodamente asentado en su condición de auteur. Quienes acudimos fielmente a nuestra cita anual con su cine, lo hacemos más siguiendo viejas y arraigadas costumbres (iguasl que los zombis de Romero siguen recorriendo los centros comerciales) que impulsados por un verdadero deseo, puesto que su conexión con los espectadores hace tiempo que se viene basando más en el reconocimiento que en la novedad. Desde que empiezan a desfilar en pantalla los títulos de crédito, discretas letras blancas sobre invariable fondo negro, sabemos que nos estamos adentrando en territorio conocido. A nuestros oídos llegan las ajadas notas de Groucho Marx entonando su "Hello I must be going" y somos conscientes de que probablemente no vayamos a encontrarnos sorpresas, sólo la agradable sensación de calzarnos por enésima vez unas cómodas pantuflas.

Siempre es agradable volver a recorrer las calles de Nueva York de su mano, aunque añoremos a Annie Hall en Manhattan. En un puntual retorno de su periplo fílmico por Europa, Allen recupera un guión escrito a mediados de los 70 para el gran Zero Mostel, con quien ya había trabajado en "La tapadera". Estamos, pues, ante una vuelta a los orígenes en toda regla. La muerte de éste hizo que el texto estuviera acumulando polvo durante años en un cajón, hasta que decidiera darle una mano de chapa y pintura (no demasiado profunda, sospecho, vista la caracterización de algunos personajes) y, en una feliz decisión de casting, ponerlo en manos de Larry David. De todo los alter ego que a lo largo de los años han venido encarnado al prototípico antihéroe alleniano (de John Cusack a Kenneth Branagh, pasando por Jason Biggs), quizá sea David quien más se acerque a la imagen que nosotros, como espectadores, tenemos de Woody (divertido, neurótico, algo irritante a ratos). El genial co-creador del mayor fenómeno catódico de finales de siglo, la irrepetible "Seinfeld", y estrella contracorriente de la tele por cable con la brillante serie que aquí toma su nombre, "Larry David / Curb Your Enthusiasm", modela a su medida el personaje, que sin dejar de ser puro Allen, adopta también características de su propia imagen pública.

Argumentalmente, un poco lo de casi siempre. Una chica joven y un hombre mayor. Pudiera parecer que, una vez más, Woody Allen estuviera esgrimiendo justificaciones para su agitada vida sentimental, enarbolando un whatever works ("si la cosa funciona" en la limitada y sesgada traducción castellana) que se erige en un "todo vale", un canto a la tolerancia afectivo-sexual. Recuperamos aquí la ya clásica relación pigmaliónica, acentuada aún más, si cabe, por el creativo doblaje castellano que convierte a la émula de Eliza Doolitle, una sureña encarnada con magnetismo y simpatía por Evan Rachel Wood, en una máquina aspiradora de consonantes, trufando los diálogos de lenguaje coloquial un punto forzado.

Siempre quedan algunos destellos de genio, unos actores notables (especial mención aquí a la nunca suficientemente valorada Patricia Clarkson y al felizmente recuperado Ed Begley Jr.), algunos gags eficaces y una acertada selección musical, pero resulta difícil obviar aspectos como el desaliño formal (¡Gordon Willis, cuánto te echamos de menos!) o una cierta desgana generalizada. En todo caso, una discreta mejoría respecto a la insufrible "Vicky Cristina Barcelona", pero lejos, muy lejos, de sus grandes logros.

Valoración: 6/10

Para concluir, nuestra habitual recomendación de los martes. Concluye el ciclo "Tal como somos", que Filmoteca Canaria viene programando en los Multicines Monopol, y lo hace con el documental nominado al Óscar "Líbranos del mal", dirigido en 2006 por Amy Berg y que analiza con descarnada crudeza la figura de Oliver O'Grady, sacerdote pedófilo cuyas perversas andanzas fueron encubiertas durante décadas por la jerarquía eclesiástica californiana, a quien la directora presta cámara y micrófono para, a través de sus tentativas autoinculpatorias, contrapuestas con el testimonio de sus víctimas, incidir en la injustificable connivencia entre la iglesia católica estadounidense y los abusos sexuales a menores. Un más que recomendable colofón.

Como complemento al reciente estreno de "Malditos bastardos", Skymovies pedía a Quentin Tarantino que enumerase sus 20 películas favoritas de los últimos 17 años, desde que debutara en la dirección cinematográfica con la seminal "Reservoir Dogs". Para quienes estamos familiarizados con los gustos eclécticos y cambiantes de QT, la lista viene a confirmar su pasión por el cine llegado de Asia (Japón, Hong Kong y Corea del Sur, fundamentalmente), su desinterés por el cine europeo (con un par de contadas, y notables, excepciones, rodadas además en inglés) y su reivindicación del cine de (sub)género. Procede recordar aquí que Tarantino habitualmente nombra "El bueno, el feo y el malo" como su película favorita de todos los tiempos, y los Basterds incluyen más de un homenaje explícito a Sergio Leone y su obra, desde la utilización recurrente de la música del grandísimo Ennio Morricone a la planificación y estructura cercanas al spaghetti-western, por no mencionar la gloriosa introducción que cita directamente el comienzo de "Hasta que llegó su hora". Mientras que la absoluta nº 1 es, en sus propias palabras, la "película que realmente más desearía haber realizado", el resto de títulos siguen su orden alfabético (en inglés).

1. Battle Royale / Batoru rowaiaru (Kinji Fukasaku, 2000). Obra maestra absoluta, delirante y violentísima visión de los conflictos generacionales y educativos en el Japón contemporáneo, complementada por la aún más demencial BR2, canto de cisne de Fukasaku y poco velada apología del terrorismo frente al imperialismo estadounidense.
2. Todo lo demás / Anything Else (Woody Allen, 2003). Infravalorado acercamiento al mundo de la comedia adolescente del genio neoyorquino, publicitada en su momento como si fuese una American Pie más, y sonoro fracaso comercial en todo el mundo.
3. Audition / Ôdishon (Takashi Miike, 1999). Quienes tuvimos ocasión de asistir a su memorable pase en "La noche más freak" del Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria fuimos testigos de la imborrable capacidad de Miike de trasladarnos del rosa al rojo profundo en apenas dos trazos. Kiri, kiri, kiri.
4. The Blade / Dao (Tsui Hark, 1995). Actualización de la leyenda del luchador manco a cargo del inefable destajista honkonés, garantía siempre de dos horas de diversión sin prejuicios. Otras obras muy recomendables suyas serían "El tiempo no espera" y la trilogía "Érase una vez en China".
5. Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1997). Aunque quienes me conocen saben que soy más de "Magnolia", la película con que se inició cinematográficamente el siglo XXI, entiendo por qué a QT le entusiasma BN: cine dentro del cine, drogas, sexo, violencia y muertes con un precio.
6. Movida del 76 / Dazed and confused (Richard Linklater, 1993). Nunca estrenada en salas comerciales en nuestro país (como otros muchos títulos de la lista), posiblemente sea la mejor aproximación a los últimos días de instituto (todo un subgénero en sí mismos) a cargo de uno de los popes del cine indie.
7. Dogville (Lars Von Trier, 2003). Según Tarantino, uno de los mejores guiones jamás escritos, y que hubiese merecido un Pulitzer si su destino hubiese sido el teatro, con actores en estado de gracia y la cámara siempre juguetona del danés errante.
8. El club de la lucha (David Fincher, 1999). Hiperviolencia, humor y jabón. Un cóctel demasiado revolucionario para el público adocenado, que la relegó al fracaso en su estreno. Los años la han puesto en el sitio que se merece en el panteón de grandes películas de los últimos años, confirmando a su director como un narrador de raza.
9. Todo en un viernes / Friday (F. Gary Gray, 1995). Especie de aproximación afroamericana al espíritu de "Clerks", protagonizada por el insoportable Chris Tucker (siempre aplaudo su muerte en "Jackie Brown"), su éxito comercial propició una secuela (muy inferior) y el nacimiento de toda una corriente.
10. The Host / Gwoemul (Bong Joon Ho, 2006). Excelente monster movie llegada de Corea del Sur, aderezada con múltiples capas y niveles de lectura que enriquecen cada nuevo visionado. Y sí, los americanos (del norte) vuelven a ser los culpables, claro.
11. El dilema / The Insider (Michael Mann, 1999). Probablemente la película más sobria del, ya de por sí estoico, gran Michel Mann, constituye una notable aproximación al turbio mundo de las tabacaleras, con posiblemente la última gran interpretación de Al Pacino.
12. Area de seguridad conjunta / Gongdong gyeongbi guyeok JSA (Park Chan Wook, 2000). El conflicto que divide a las dos Coreas a través de los ojos de uno de los pesos pesados del cine contemporáneo , aunque he de reconocer que mi debilidad de su filmografía es Oldboy".
13. Lost in translation (Sofia Coppola, 2003). Una de las inclusiones más sorprendentes del listado, aunque cabe apuntar que Tarantino y Coppola mantuvieron una relación amorosa que, sin duda, en algo ha debido influir.
14. Matrix / The Matrix (Andy y Larry Wachowski, 1999). Renovadora del anquilosado género de la ciencia-ficción, visualmente portentosa, revisarla casi consigue hacernos olvidar que, como recuerda QT, tuvo unas secuelas que dañaron irremisiblemente su mitología.
15. Salinui chueok / Memories of Murder (Bong Joon Ho, 2006). Segundo título en la lista del director coreano (el único realizador que repite) y obra maestra absoluta que reinventa el género de la investigación policial y ejerció una enorme influencia sobre Fincher y su soberbia "Zodiac".
16. Ging chat goo si 3: Chiu kup ging chat / Supercop (Stanley Tong, 1992). Jackie Chan y Michelle Yeoh haciendo de las suyas, con algunas de las mejores secuencias de acción del cine contemporáneo. Y además con la siempre agradecida presencia de Maggie Cheung.
17. Zombies Party / Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004). Tras revolucionar el formato de la sitcom a la inglesa con la soberbia "Spaced", Simon Pegg y Nick Frost dieron el salto a la gran pantalla con un cariñoso homenaje a los muertos vivientes de George A. Romero, con momentos realmente desternillantes.
18. Speed (Jan DeBont, 1994). Uno de los últimos estertores del mejor cine de acción estadounidense que en los 80 había alcanzado su cénit con títulos como "La jungla de cristal", antes de que la invasión de Michael Bays de medio pelo arruinara definitivamente el sueño.
19. Team América / Team America: World Police (Trey Parker - Matt Stone, 2004). Los creadores de "South Park" no dejan títere con cabeza (si me perdonan el fácil juego de palabras) en una desopilante sátira del intervencionismo yanqui.
20. El protegido / Unbreakable (M Night Shyamalan Ding Dong, 2000). Supermán, génesis y su némesis. Posiblemente la mejor película de superhéroes de la historia. Y Bruce Willis otra vez sin enterarse de nada.

Para finalizar, una sugerencia para sus agendas. Hoy martes 22, a las 20:30 horas, los Multicines Monopol acogen un nuevo título programado por Filmoteca Canaria dentro de su excelente ciclo de cine de no ficción, "Tal como somos". Se trata de "Joe Strummer: vida y muerte de un cantante", dirigido en 2007 por Julian Temple, un impresionante recorrido por la trayectoria del líder de The Clash, desde inéditas películas familiares de su infancia a entrevistas con personajes (Bono, Johnny Depp, John Cusack, Flea o Jim Jarmusch, por citar sólo algunos) sobre los que ejerció su influencia, pasando por material de conciertos con sus distintas bandas. Para todos los que tuvimos la fortuna de ver a Strummer en vivo en uno de sus últimos conciertos, al frente de The Mescaleros en el Womad del año 2001, una nueva oportunidad de reencontrarnos con el mito (y de acercarnos a la persona que se escondía tras la cortina). Absolutamente recomendable.