Archivos Julio 2011

Los entendidos en música culta asocian la ciudad italiana de Pésaro a dos de sus hijos ilustres, el compositor Gioachino Rossini y la soprano Renata Tebaldi. Los buenos aficionados al deporte saben que allí juega un mítico equipo de baloncesto, el Scavolini, y que en ella nació un gran jugador de fútbol, Massimo Ambrosini, actual capitán del AC Milan. En este blog, centrado fundamentalmente en el mundo del cine, la palabra Pésaro nos suena a evento cinematográfico, porque allí, a orillas del Adriático, y desde 1965, se celebra la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema.

Apoyada desde sus inicios por gente del fuste de Pier Paolo Pasolini, Umberto Eco o Bernardo Bertolucci, apostó sin concesiones por las Nuevas Olas que arrasaron en Europa, Asia y América durante las décadas de los 60 y los 70. Siempre se sintieron orgullosos de haber facilitado el reconocimiento internacional de autores de la talla de Nagisa Oshima, Lino Brocka, Glauber Rocha o Raoul Ruiz. Sus programadores rebuscaron por donde pudieron ese "nuevo nombre a descubrir", y a veces era otro festival el que les daba una pista, como ocurrió en la trigésimo primera edición de la Berlinale. Allí se concedió una mención especial a una impactante película japonesa de extraño título alemán, "Zigeunerweisen", en la que se mezclaban fantasmas, intrigas y geishas. Curiosamente, aquella película había sido rechazada por sus propios productores, decididos a enterrar las copias de la misma antes que ser partícipes de lo que consideraron una obra "infame".

El director de Zigeunerweisen, el japonés Seijun Suzuki, ya se había acostumbrado muchos años antes a ser despreciado una y otra vez por la industria japonesa. Convertido desde finales de los 50 en uno de los mascarones de proa de la compañía Nikatsu, su peculiar imaginario visual le generó una legión de enemigos que no comprendían su cine de serie B. Las películas de Suzuki destilaban imaginería pop, un sentido del humor muy peculiar, violencia yakuza y un erotismo más que evidente. En 1965, cuando estrenó "Tattooed Life", sus jefes le dieron un toque por ir "demasiado lejos". Rebelde como él solo, Suzuki respondió exagerando aún más su estilo, algo que provocó un castigo en forma de reducción drástica del ya ínfimo presupuesto con el que solía contar para cada una de sus producciones. Curiosamente, en esos años de restricciones filmó dos de sus obras más representativas, "Tokyo Drifter" (1966) y "Branded to kill" (1967), película esta última que es hoy considerada una obra maestra avant garde, y que paradójicamente precipitó su salida de la Nikatsu. El 25 de abril de 1968, Suzuki recibió una llamada telefónica de una secretaria de la compañía. Le informó con gran frialdad de la suspensión indefinida de su contrato, basándose al parecer en que "sus películas eran incomprensibles y no daban dinero". Le sugirió abandonar su carrera como cineasta.

Condenado al ostracismo durante décadas, el premio recibido en Berlín fue el detonante de su redescubrimiento. Poco después, en 1984, la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema de Pesaro realizó la primera retrospectiva (parcial) de su obra realizada fuera de Japón, y a partir de ahí, sus películas comenzaron a editarse en video (y luego en dvd), y su nombre comenzó a ser reivindicado por Quentin Tarantino, Won Kar Wai, Jim Jarmusch o Takeshi Kitano, entre otros.

La Asociación de cine Vértigo tiene la costumbre de cerrar su temporada de proyecciones en el CICCA con ciclos de cine japonés, y en esta ocasión ofrece la posibilidad de disfrutar de tres de las más relevantes obras de este iconoclasta director japonés, Senji Suzuki:

IX Semana de cine japonés - julio 2011
"Seijun Suzuki, nuevo tsunami"

26 de julio: Gate of flesh, de Seijun Suzuki (Japón, 1964, 91´).

27 de julio: Tokyo drifter, de Seijun Suzuki (Japón, 1966, 83´).

28 de julio: Branded to kill, de Seijun Suzuki (Japón, 1967, 90').

Todas las proyecciones serán a las 19.30 y con entrada gratuita.

La Santísima Trinidad de la Nueva Ola del cine taiwanés la forman Hou Siao Sien, Tsai Ming-liang y Edward Yang. Éste último nació realmente en Shanghái en 1947, pero se crió en Taiwán, país que siempre sintió como propio. Desde su debut en 1983 con "That day on the beach" hasta su título más renombrado, "Yi yi" (2003), Yang observó con ojos de poeta distante las relaciones entre el hombre de ciudad y su entorno. Entre esas dos películas hay muchas otras que destacaron en festivales internacionales, como por ejemplo, " Mahjong (1996)", una reflexión terriblemente incisiva sobre ese nuevo Taiwán visto a través de los ojos del extranjero y con la que alcanzó el prestigioso premio Alfred Bauer en la Berlinale.

Cuando se decidió a iniciar la producción de "Mahjong", Yang le dio la primera oportunidad de su vida a un joven meritorio llamado Wei Te-Sheng, al que le permitió trabajar como ayudante de dirección. Este empujoncito le permitió a Wei comenzar a dirigir sus primeros trabajos, haciéndose poco a poco un nombre en la industria al mismo tiempo que se alejaba del modelo autoral de Yang y del resto de la Nueva Ola. Ganó varios premios menores y recibió buenas críticas, pero nunca se imaginó que sería capaz de realizar una película ("Cape nº 7") que se terminaría convirtiendo en la película más taquillera de la historia del cine de su país y símbolo de la Segunda Nueva Ola del cine taiwanés, más preocupada por la taquilla que por la crítica, a diferencia de Edward Yang y los suyos.

Esa película, "Cape nº 7", se diseñó del mismo modo que ciertas producciones muy populares en Corea del Sur y otros países de la zona. Un toque de romance, una dosis de comedia, música popular y algo de drama, todo ello sustentado en un acertado elenco de actores y en un nutrido grupo de estrellas de la música pop de Taiwán y de Japón. Cuenta dos historias separadas en el tiempo pero unidas por el azar: la primera transcurre en 1940, durante la ocupación japonesa de Taiwán, y es la historia de amor entre una joven y un profesor japonés, quien se verá obligado a regresar a Japón, dejando su aventura escrita en una serie de cartas de amor que no llegarán a su destino. La segunda historia es la del cartero Aga, un aspirante a cantante que descubrirá las cartas del viejo profesor 60 años más tarde y que vivirá su particular historia de amor con una modelo japonesa.

"Cape nº 7", que se proyecta en el CICCA el lunes 25 de julio a partir de las 19.30 horas, se rodó entre los meses de septiembre y noviembre de 2007. Apenas unos meses antes, el 29 de junio, Edward Yang fallecía por culpa de un cáncer de colon, en su casa de Beverly Hills. Una estrella se apagó y otra comenzaba a brillar.

Novorybnoye es uno de esos lugares perdidos en las esquinas de los mapas. Situado en el norte de Siberia, no significaría nada para casi nadie si no hubiera sido por la afición a la caza de un niño llamado Simon Jarkov. En 1997, mientras rastreaba el terreno en busca de su presa, descubrió entre la nieve una especie de estacas que se curvaban hacia el cielo. Medían casi 2 metros de largo y cuando se dio cuenta de que no estaban hechas de madera se acordó de las ilustraciones de alguno de sus libros. Aquello se parecía muchísimo a la cornamenta de los míticos mamuts, los antepasados de nuestros elefantes. Poco tiempo después se excavó alrededor de aquel punto y se pudo desenterrar un gigantesco bloque de hielo y barro que pesaba más de 23 toneladas. En su interior descansaban los restos de un majestuoso animal que habitó aquellas tierras hace más de 20.000 años. La comunidad científica internacional aplaudió aquel descubrimiento, con la esperanza de que sus vísceras congeladas escondiesen no sólo la respuesta al enigma de la desaparición de su especie sino mil y una pistas para entender el tiempo en que los mamuts dominaban la tierra. A aquel espécimen de mamut siberiano se le conoce hoy como el mamut de Jarkov, en recuerdo de quien dio con sus huesos entre la nieve.

Unos pocos años después, en el simbólico año 2001, el director brasileño Vicente Ferraz inició la producción de "El mamut siberiano", un atrevido largometraje documental. Había decidido aproximarse a una obra realizada en los primeros años 60, "Soy Cuba", un ambicioso documental filmado en Cuba por el soviético Mikhail Kalatozov. Planteado como una elegía fílmica y poética hacia el triunfo de la Revolución recién instaurada, los esfuerzos de Kalatozov por encerrar en su metraje el alma cubana y las ideas revolucionarias no encontraron el eco esperado ni entre los espectadores cubanos ni entre el aparato político soviético. La película fue condenada al ostracismo, prohibida, olvidada y negada. Tuvieron que llegar los años 90 para que Martin Scorsese rescatase del olvido esta película, invitando a que se observase con otros ojos una obra que ha acabado por convertirse en un mito dentro del cine latinoamericano.

La tarea de Ferraz era compleja, pues tenía que ser capaz de dar el mismo peso narrativo a dos tiempos distintos, a dos contextos muy diferentes que, posiblemente, condicionaron las encontradas sensaciones generadas en los espectadores de uno y otro momento de la historia. Vista hoy en día, ya no puede juzgarse la eficacia de "Soy Cuba" en relación a sus fines propagandísticos porque parece que ya no hay revolución que ensalzar. Quizás sea el momento de apreciarla como indicador de un tiempo pasado, como el fósil de un mamut enterrado en las nieves de Siberia del que extraer las claves que nos hagan comprender qué se nos perdió por el camino.

"El mamut siberiano" se proyecta el jueves 21 de julio a partir de las 20.30 horas y con entrada gratuita en Colón Cinema, una actividad organizada por la Asociación de cine Vértigo y la Casa de Colón, en Las Palmas de Gran Canaria.

La Asociación de cine Vértigo está dedicando sus proyecciones en el CICCA en este mes de julio al cine taiwanés más reciente. Este lunes 18 de julio, a partir de las 19.30 horas, le toca el turno a una producción de 2008 titulada "Orzboyz". Gracias a ella conoceremos a dos niños muy traviesos que no paran de gastar bromas a sus compañeros de clase, de pelearse, de burlarse de las chicas y de decir mentiras. Los llamarán "mentiroso nº 1" y "mentiroso nº 2", y así los conoceremos nosotros también. Un buen día, su profesor los castiga con quedarse todos los días después de la escuela a arreglar los libros rotos de la biblioteca. Lo que ocurre después es el inicio de una aventura apasionante.

Estamos ante una conmovedora historia de sueños y de crecimiento que se enmarca en ese problemático periodo en el que se acaba la niñez. Su calidad fue reconocida por los programadores de algunos de los festivales más interesantes del panorama internacional (BAFICI, San Francisco, Vancouver, Munich, etc.). Lo imaginario y lo realista se dan la mano en el debut en la dirección de Yang Ya Che. Estamos ante una obra singular, que partiendo de lo que se supone debería ser un cuento infantil nos invita a escapar de la realidad mediante un viaje a un mundo de fantasía, un mundo que visitamos y disfrutamos aun sabiendo que no podremos permanecer mucho tiempo en él.

Este ciclo terminará el lunes 25 de julio con la proyección de la película más taquillera de la historia de Taiwan, "Cape nº 7"

Las navidades de 1934 estaban a la vuelta de la esquina, y la actriz Claudette Colbert se reunió a tomar café con un grupo de amigas a las que hacía tiempo que no veía. Había sido un año realmente frenético, encadenando un rodaje tras otro, y le apetecía volver a ver a sus camaradas de siempre.

Acostumbrada como estaba a ser el centro de cualquier reunión, habló con emoción de las escenas tan subidas de tono que Cecil B. De Mille le había preparado en "Cleopatra", y de la polémica de índole racial que esperaban generar con el drama dirigido por John M. Stahl "Imitación a la vida". Pero lo que tenía más reciente era algo que había finalizado apenas un par de días antes de navidad, concretamente el 22 de diciembre. No le tenía demasiado apego a aquella obra, y cuando le preguntaron por ella, dijo simplemente:" Bueno, creo que acabo de terminar el rodaje de la peor película de mi vida". Nadie esperaba mucho de aquella producción estrenada casi de tapadillo y que apenas mereció referencias tibias en la crítica. Pero a veces pasan esas cosas, y poco a poco se fue ganando el apoyo del público y generando una marea de complicidad que no cesó hasta que en la noche del 25 de febrero de 1935 consiguió lo que ninguna película había conseguido nunca antes: acaparar los cinco principales premios Oscar: película, director, actor, actriz y guión. Un pequeño milagro, uno de esos que tanto gustaba dibujar a Frank Capra, director de la película en cuestión, "Sucedió una noche", el mayor éxito en taquilla de la Columbia hasta aquel momento.

Es esta una de esas películas que teniendo todos los papeles para ser un desastre, acaba siendo un mito, una de esas obras maestras incontestables. Al igual que ocurrió, por ejemplo, con "Casablanca", la elección de la pareja protagonista dio tantos bandazos que uno no llega a entender como todo aquello llegó a buen fin. La primera opción en la que se pensó para ser la actriz protagonista fue Miriam Hopkins, y después de ella pasaron por el escaparate Mirna Loy, Margaret Sullavan, Constance Bennett, Bette Davis, Carole Lombard y Loretta Young. Menos movidita fue la elección del protagonista masculino, porque "solamente" fue rechazado Robert Montgomery antes de que el elegido fuese Clark Gable, a sueldo en aquellos momentos en la Metro. Gable, convertido en una mega estrella, tenía asignado un contrato realmente elevado con Louis B. Mayer (2.000 dólares a la semana), trabajase o no en una película de ese estudio. Teniendo en cuenta que no había en el horizonte ninguna película digna del Rey de la Metro, Mayer pensó que se podría ahorra aquel sueldo "cediendo" a su estrella a la Columbia temporalmente.

Bien, ya tenemos actor. Y ahora, ¿quién será su partenaire? En medio de aquel torbellino de nombres, Harry Cohn sugirió el nombre de Claudette Colbert, algo que fue recibido con una ristra casi interminable de improperios. Todavía se recordaba el enorme fiasco de la primera película de la Colbert, "Fort the love of Mike", dirigida en 1927 precisamente por Frank Capra, director con el que la actriz dijo que jamás volvería a trabajar. Pero ante la imposibilidad de decidirse por otra actriz para el papel, se pensó que quizás no era tan mala elección la de Colbert. Unos cuantos ceros en el cheque y el compromiso de que le darían vacaciones tras el rodaje la hicieron cambiar de opinión.

"Sucedió una noche" sigue las andanzas de una acaudalada heredera que se escapa de su agobiante padre al no consentir éste su matrimonio. Mientras huye hacia Nueva York se cruzará en su camino un periodista en paro con el que compartirá algo más que la ruta. Esta película se proyecta el jueves 14 de Julio a partir de las 18.30 horas en Ámbito Cultural de El Corte Inglés (Mesa y López, 15, 7ª planta) en V.O.S.E y con entrada gratuita. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio ya habitual en este foro cultural.

La pequeña Hsu Su-chuan se ganaba un dinero extra repartiendo comida a domicilio con su bicicleta. Era una niña pizpireta, a la que apenas se le notaba lo mal que lo había pasado con el divorcio de sus padres. Trabajando o estudiando, no paraba de sonreír y de cautivar con su delicada belleza. Un buen día, poco después de cumplir los 15 años, decidió presentarse a un concurso de belleza llamado "Talented Beautiful Girl", organizado por la cadena de televisión CTS. Soñaba con ganar. Y ganó. La vida de aquella niña taiwanesa cambió totalmente a partir de aquel momento. Occidentalizó su nombre, pasándose a llamar Vivian Hsu, y se unió a un trío de música pop, llamado "Girl´s team", con el que lanzó al mercado dos discos de cierto éxito.

Siempre intentó combinar el mundo de la música y el de la moda. A mitad de la década de los 90 llegó a ser portada de las ediciones japonesa y hongkonesa de la revista Penthouse, provocando un gran escándalo en Taiwán, su país de origen, con sus desnudos. No obstante, Hsu nunca se plegó ante aquellas críticas, y defendió su derecho a mostrar su cuerpo, algo que se convirtió en un símbolo para una gran parte de las adolescentes taiwanesas de la época.

Vivian Hsu estaba decidida a convertirse en la reina de Asia. Era capaz de cantar indistintamente en mandarín, japonés, coreano o inglés, y en 1997 formó una banda de chicas llamada "Black biscuits", creada como un producto de marketing rival de un exitoso grupo japonés ya existente, "Pocket biscuits". Hsu nunca abandonó su papel de estrella, lanzando discos en solitario en los que se movía con igual soltura entre las baladas, el rock o el J- Pop. Gran parte de sus canciones eran escritas por la propia Hsu, un ejemplo más de la versatilidad de una artista que ya se había dejado tentar por el cine en 1994, cuando participa en un gran éxito de taquilla en Taiwán, la comedia "Saholin Popey".

En 2001 comparte cabeza de cartel nada menos que con Jackie Chan en "The accidental spy" (foto anterior). Vivian Hsu ya era una estrella, y eso la convertía en objeto de deseo de todos los productores del cine oriental. Alguien que sabía mucho de lo que significa ser una estrella, el actor y productor Andy Lau, se fijó en ella para protagonizar la película que tenía en mente. Se trataba de un cuento de hadas en el que una niña pasa de ser un patito feo por su incapacidad para caminar, a convertirse en una princesa enamorada compulsivamente de los zapatos que no para de comprar.

Esa película, "The shoe fairy" (2005), fue dirigida por la debutante Yun Chan Lee. Presentada en el prestigioso Festival de Pusan, tuvo una interesante carrera comercial, fundamentada en un llamativo empaque visual y, sobre todo, en la arrolladora personalidad de su protagonista Vivian Hsu. Esta película se proyecta en el CICCA el 11 de julio dentro del ciclo que la Asociación de cine Vértigo dedica al cine taiwanés más reciente. Los siguientes títulos de este ciclo son:

- 18 de Julio: "Orzboyz"
- 25 de Julio: "Cape nº 7"

Aquellos intrépidos marineros portugueses quedaron prendados por los encantos naturales de la isla que veían a lo lejos. Tan extasiados estaban que no acertaron a encontrar un nombre especialmente original para bautizarla. La llamaron "Fermosa" (bonita), y una ligera derivación de ese adjetivo portugués ("Formosa"), se convirtió en uno de los nombres con los que se ha conocido a esta isla del pacífico de apenas 36.000 km2 y que es hoy más comúnmente conocida como Taiwán.

Convertida en uno de esos emergentes tigres del lejano oriente, Taiwán es el origen de algunos de los nombres más atractivos del cine actual. La denominada "Nueva Ola" del cine taiwanés, con un estilo muy cercano al neorrealismo, nace en la década de los 80, con las primeras obras de Edward Yang ("Taipei story", 1985) o Hou Siao Sien ("The boys from Fengkuei", 1983). Las respectivas carreras de estos dos directores han estado jalonadas desde sus inicios por una incesante avalancha de premios, acompañada normalmente por el aprecio y la devoción por parte de la crítica. Baste recordar del primero "Yi yi" (2000), Cámara de Oro en Cannes. Del segundo (ver foto a continuación) se podría escribir un artículo entero, pero basten un par de ejemplos para definir su enorme talento: "A time to live, a time to die" (1985), Premio Fipresci en Berlín; "A city of sadness" (1989), León de oro en Venecia; "El maestro de marionetas" (1999), Premio del Jurado en Cannes.

Precisamente durante los años en que Yang y Sien acaparaban premios, una nueva camada de directores tomaba las calles del país. Fue lo que se denominó "Segunda nueva ola del cine taiwanés", en la que se incorpora una mirada algo más desprejuiciada y un mayor interés por el gran público. Esto se tradujo en una mayor presencia del cine taiwanés en las carteleras locales, sin dejar de ser una cinematografía de interés para los festivales internacionales. Fue en ese momento cuando Tsai Ming-Lian ganó el premio Fipresci en Cannes con "The Hole" (1998), una atractiva combinación de realismo, desesperación, diversión, glamour y cierto regusto apocalíptico. Algunos directores como Ang Lee comenzaron a deslumbrar por aquellos años con títulos como "Pushing hands" (1991), algo que permitió que se les abrieran las puertas de Hollywood.

Con el siglo XX ya comenzado, el cine taiwanés sufrió un pequeño bache del que lo sacó una producción titulada "Cape nº 7" (2005), el mayor éxito de taquilla de la historia del cine de ese país, y punto de inflexión en lo que se refiere a la confianza de los productores hacia los nuevos directores locales. Precisamente ese título, "Cape nº 7", forma parte de un ciclo de cine taiwanés organizado por la Asociación de cine Vértigo en colaboración con la oficina de Taiwán en España. Se trata de un conjunto de producciones de los últimos 6 años que intenta ofrecer un muestrario de las diferentes perspectivas y puntos de vista personales de sus creadores ante la evidente trasformación experimentada en la sociedad taiwanesa. Ese escenario está muy influido por los conflictos surgidos al intentar equilibrar la asunción del pasado rural con la adaptación a un presente irremediablemente urbano, frente al violento encuentro de los valores tradicionales con la tan inevitable como poderosa irrupción de una cultura cada vez más globalizada.

Todas las proyecciones se realizarán en el CICCA, y la primera de ellas tendrá lugar el lunes 4 de julio, a partir de las 19.30 horas. Se trata de "Fishing luck", película dirigida en 2005 por Tseng Wen-Chen. Cuenta la historia de Zing, una joven muchacha que llega desde la capital a la Isla de las Orquídeas, un lugar en el que los habitantes viven tranquilos y dedicados a la pesca. Enviada allí por su empresa para comprobar la cobertura de los teléfonos móviles, conocerá a Behong, un joven que le hará entender el peculiar modo de vida de las gentes de la isla.

Las siguientes películas de este ciclo son:

- 11 de Julio: "The shoe fairy"
- 18 de Julio: "Orzboyz"
- 25 de Julio: "Cape nº 7"