Archivos Diciembre 2009

Los últimos días de un año se prestan, entre otras cosas, a la aparición de listas diversas sobre lo mejor del año. Cuando además coincide ese fin de año con el penúltimo año de una década, como nos ocurre ahora, la fiebre por los listados se recrudece y parece que de todo hay que hacer un decálogo.

El mundo del cine, tan dado a las clasificaciones y calificaciones, no podía ser menos. Posiblemente hayan leído o visto algo similar en los últimos días, pero en este caso nos vamos a hacer eco de una noticia que nos llega desde el lejano Canadá. Más concretamente desde la provincia de Ontario, la más poblada del país y la que acoge a la ciudad con mayor población: Toronto.

En la ciudad de Toronto se celebra anualmente el TIFF (Toronto International Film Festival) un evento de reconocido prestigio y que se define a sí mismo como "organización cultural sin ánimo de lucro cuya misión es transformar la manera en que la gente ve el mundo a través del cine". Implicado en una visión del cine mucho más compleja que la que se puede manejar desde las trincheras de un festival de cine, el TIFF creo en 1990 "Cinemateqhe Ontario", institución consagrada a realizar durante todo el año un variadísimo programa de proyecciones que recorre la historia del cine hasta nuestros días, además de propiciar espacios para el debate, el estudio o la investigación.

Este año, dentro de su afán por tomar el pulso a la realidad del séptimo arte, ha realizado una exhaustiva consulta encaminada a plasmar en un listado las mejores películas de la década. Con las reservas que toda encuesta de este tipo conlleva (las películas no son caballos de carreras que compitan por un mismo trofeo en un mismo hipódromo), entendemos que la rigurosidad puesta en el diseño de esta encuesta merece ser tomada en cuenta.

Se ha pedido opinión a más de 60 historiadores, críticos de cine y programadores de festivales de todo el mundo, los cuales previamente habían demostrado poseer una perspectiva compleja y con criterio, expuesto habitualmente en libros, ensayos u otro tipo de textos publicados. En palabras del responsable de programación de la Cinemateque, James Quandt, "su perspectiva nos debería aportar una visión más amplia del cine realizado en esta pasada década, de los títulos que han marcado un hito y de los que deben ser tomados en cuenta por su influencia histórica". Quienes han respondido a esa encuesta trabajan en instituciones públicas y privadas de gran relevancia en el concierto internacional. Baste citar el Museum of Modern Art (New York), el British Film Institute (Londres), el UCLA Film & Television Archive (Los Angeles), la Filmoteca de la UNAM (Mexico D.F.), el Austrian Film Museum (Viena), el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (Berkeley), el Swedish Film Institute (Estocolmo) o el Festival Internacional de Cine de Berlin. Curiosamente, de entre el listado de participantes, un nombre con sabor español: el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria.

Lanzando una mirada al listado final, se comprende la presencia del Festival de LPGC en ese grupo de encuestados. No en vano una gran parte de los títulos en ella detallados han formado parte de su programación, y un buen puñado de los directores reseñados han estado presentes de una u otra forma en el Festival.

Es evidente que es un listado, que no hay verdades absolutas y que en cualquier momento se publica un listado similar, con participantes más reputados y no se incluye ninguno de estos títulos. A cualquiera de ustedes seguro que le sobra algún nombre y/o le falta alguno, pero al menos en mi humilde opinión creo que estamos ante un acertado resumen de lo más destacado de esta década que se nos escapa entre las manos.

A continuación les detallo el listado completo. Si me lo permiten, yo levanto mi lanza contra la ausencia de cualquiera de los títulos de Lisandro Alonso y, puestos a premiar al bueno de Apichatpong, yo hubiera colocado en el primer lugar su "Tropical malady". ¿Qué opinan ustedes?

1. Syndromes and a Century (Apichatpong Weerasethakul, Thailand) - 53 votos
2. Platform (Jia Zhang-ke, Hong Kong, China/China/Japan/France) - 49 votos
3. Still Life (Jia Zhang-ke, China) - 48 votos
4. Beau travail (Claire Denis, France) - 46 votos
5. In the Mood for Love (Wong Kar-wai, Hong Kong, China) - 43 votos
6. Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul, France/Thailand/Germany/Italy) - 38 votos
7. The Death of Mr. Lazarescu (Cristi Puiu, Romania) - 35 votos
Werckmeister Harmonies (Béla Tarr, Hungary) - 35 votos
8. Éloge de l'amour (Jean-Luc Godard, Switzerland/ France) - 34 votos
9. 4 Months, 3 Weeks, 2 Days (Cristian Mungiu, Romania) - 33 votos
10. Silent Light (Carlos Reygadas, Mexico/France/Netherlands) - 32 votos
11. Russian Ark (Alexander Sokurov, Russia/Germany) - 31 votos
12. The New World (Terrence Malick, USA) - 30 votes
13. Blissfully Yours (Apichatpong Weerasethakul, France/Thailand) - 29 votos
14. Le Fils (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Belgium/France) - 27 votos
15. Colossal Youth (Pedro Costa, Portugal/France/Switzerland) - 25 votos
16. Les Glaneurs et la glaneuse (Agnès Varda, France) - 24 votos
In Vanda's Room (Pedro Costa, Portugal/Germany/Italy/Switzerland) - 24 votos
Songs from the Second Floor (Roy Andersson, Sweden/Denmark/Norway) - 24 votos
17. Caché (Michael Haneke, France/Austria/Germany/Italy) - 23 votoo
A History of Violence (David Cronenberg, USA) - 23 votos
Mulholland Drive (David Lynch, France/USA) - 23 votos
Three Times (Hou Hsiao-hsien, Taiwan) - 23 votos
18. Rois et reine (Arnaud Desplechin, France) - 21 votos
19. Elephant (Gus Van Sant, USA) - 20 votos
20. Talk to Her (Pedro Almodóvar, Spain) - 19 votos
21. The Wind Will Carry Us (Abbas Kiarostami, Iran/France)- 18 votos
YI YI (A One and a Two) (Edward Yang, Taiwan/Japan) - 18 votos
22. Pan's Labyrinth (Guillermo del Toro, Spain) - 17 votos
23. L'Enfant (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Belgium/France) - 16 votos
The Heart of the World (Guy Maddin, Canada) - 16 votos
I Don't Want to Sleep Alone (Tsai Ming-liang, Taiwan/France/Austria) - 16 votos
Star Spangled to Death (Ken Jacobs, USA) - 16 votos
24. The World (Jia Zhang-ke, China/Japan/France) - 14 votos
25. Café Lumière (Hou Hsiao-hsien, Japan) - 13 votos
The Headless Woman (Lucrecia Martel, Argentina/Spain/France/Italy) - 13 votos
L'Intrus (Claire Denis, France) - 13 votos
Millennium Mambo (Hou Hsiao-hsien, Taiwan/France) - 13 votos
My Winnipeg (Guy Maddin, Canada) - 13 votos
Saraband (Ingmar Bergman, Sweden) - 13 votos
Spirited Away (Hiyao Miyazaki, Japan) - 13 votos
I'm Not There (Todd Haynes, USA) - 13 votos
26. Gerry (Gus Van Sant, USA) - 12 votos
27. Distant (Nuri Bilge Ceylan, Turkey) - 11 votos
Dogville (Lars von Trier, Denmark/Sweden/UK/France/Germany) - 11 votos
The Royal Tenenbaums (Wes Anderson, USA) - 11 votos
28. Alexandra (Alexander Sokurov, Russia/France) - 9 votos
demonlover (Olivier Assayas, France) - 9 votos
29. Atanarjuat, The Fast Runner (Zacharias Kunuk, Canada) - 8 votos
Goodbye, Dragon Inn (Tsai Ming-liang, Taiwan) - 8 votos
30. Longing (Valeska Grisebach, Germany) - 7 votos
Secret Sunshine (Lee Chang-dong, South Korea) - 7 votos
Vai e Vem (João César Monteiro, Portugal) - 7 votos
Far From Heaven (Todd Haynes, USA/France) - 7 votos

Alfredo James Pacino nació al este de Harlem y cuando su padre se fugó de casa tuvo que educarse en las calles del Bronx. Hubiera sido un tipo duro a pesar de que apenas alcanzó el 1,65. Le sobraba carácter y tenía a su favor la sangre siciliana que corría por sus venas.

Brian Russell De Palma nació en New Jersey y su padre era cirujano. Quizás por eso prefirió pasar más tiempo en la universidad que en la calle, donde su 1,80 de poco le habría valido. Ambos encontraron en su juventud un desvío en sus caminos. Predestinados como estaban a la calle y las aulas, respectivamente, fue el arte lo que los terminó por unir, a uno desde la interpretación y al otro desde la realización cinematográfica.

Lo cierto es que sus carreras no se han cruzado con la asiduidad que muchos hubiéramos querido. Paradójicamente, De Palma fue el artífice del debut en 1968 de otro gran actor ítaloamericano que ha sido para muchos la némesis de Pacino: Robert de Niro. Además fue el propio De Palma quien llevó de la mano al joven De Niro ante otro director novato en busca de alter ego: Martin Scorsese. Muchos años después se sigue idolatrando la pareja Scorsese/De Niro sin saber que fue De Palma quien primero confió en ese actor.

La primera colaboración entre De Palma y Pacino tuvo lugar en 1983. El director venía del relativo fracaso de crítica de "Blow out" y el actor había sido nominado al Globo de Oro por "¡Autor, autor!", ambas de 1982. A manos del director llegó un guión escrito por Oliver Stone en Francia mientras se desintoxicaba de su adicción a la cocaína. De Palma se deleitó con aquel retrato brutal de las mafias cubanas que dominaban Florida, pero sobre todo con el magnetismo que desprendía su principal protagonista, Tony Montana, un refugiado que termina por convertirse en despiadado rey de los narcotraficantes. Para ese papel no valía cualquier actor, y por eso eligió a Pacino. Su interpretación es antológica y Montana es hoy en día un icono pop, dueño de frases y actitudes que se han copiado y homenajeado hasta la saciedad no sólo en otras películas sino en canciones, videojuegos o series de televisión. Curiosamente, la película fue muy castigada por cierta parte de la crítica (cegada quizás por su violencia extrema), se mutiló su metraje y hasta fue nominado de Palma a los Razzie como peor director. Hoy, cosas de la vida, es una película de culto casi indiscutible.

Años más tarde, De Palma leyó una novela escrita por el juez Edwin Torres y que se titulaba Carlito´s way. Relataba las andanzas del capo de la heroína en el Harlem de los 60, un tipo duro de nombre Carlito Brigante. Subyugado por este personaje, De Palma no podía dejar de pensar en Pacino en el papel de Brigante, pero se desesperaba al reconocer que el actor era demasiado mayor para el papel. Sin embargo, Torres había escrito una segunda novela, titulada After hours, en la que relataba la salida de prisión de Brigante y sus esfuerzos por alejarse de la mala vida. Y esto sí era ideal para Pacino. Decidieron no utilizar el título del segundo libro para evitar problemas legales con la película de su amigo Scorsese y se embarcaron diez años después de su primer trabajo en otro proyecto que con el paso del tiempo también ha ganado en reconocimientos.

A Pacino le gusta la ópera. A De Palma Springsteen. Quizás sean demasiado distintos para repetir colaboraciones, pero es cierto que se admiran profundamente y que no les cuesta nada hacerlo público.

* De Palma: "... una de las muchas cosas que hacen grande a Pacino es la forma en que se mueve. Nadie lo hace como él. Cuando rodábamos Atrapado por su pasado no podía dejar de filmarle cada vez que se ponía a caminar."

* Pacino: "¿Mi mejor papel? Sin duda, el de Tony Montana, a las órdenes de De Palma"

Desgraciadamente parece que tendremos que esperar algo más de diez años para que vuelvan a coincidir. Mientras tanto, contentémonos con estas dos estupendas películas llenas de talento y que ofrece la Asociación de cine Vértigo en el CICCA (Las Palmas de Gran Canaria) durante el mes de diciembre, como siempre a las 19.30 horas, gratis y en versión original con subtítulos en español: "El precio del poder" (21 de diciembre) y "Atrapado por su pasado" (28 de diciembre).

Hay películas que te proponen un esfuerzo intelectual la mar de reconfortante. Te sientes atrapado por sus juegos dialécticos, disfrutas con sus enunciados teóricos y te animas con facilidad a debatirla desde la racionalidad. Otras películas te llegan por las tripas y te atrapan desde la epidermis. Sientes hacia ellas una reacción física a la que es difícil encasillar dentro de una teoría.

A veces esas películas "intelectuales" pecan de frialdad. A veces esas otras obras "físicas" están más vacías de lo deseado. En mi caso particular no distingo entre una y otra forma de dejarme seducir por una película. En algunos momentos un impacto físico puede ser más que suficiente. Seguro que hay quien piensa que habría que posicionarse, pero que no cuenten conmigo.

Sin embargo, a veces se da la curiosa circunstancia de que una película es capaz de revolverme las entrañas mientras conduce mi intelecto hacia encrucijadas poco concurridas. No es que pase muchas veces, pero cuando eso ocurre siento que se justifica con creces el precio de la entrada. Durante la décima edición del Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria tuve la suerte de llegar a ese encuentro afortunado. En su sección oficial se dieron cita un buen puñado de películas, pero una de ellas fue especial: la francesa "Un lac" (2008), de Philippe Grandrieux.

Sin identificar plenamente el lugar en que la acción tiene lugar (ni falta que hace), asistimos a la llegada de un misterioso forastero. Viene a turbar la aparente placidez de una familia que vive aislada entre un bosque perennemente cubierto de nieve, un lago amenazador y una niebla casi fantasmagórica. Esa familia la componen una madre ciega, un padre y tres hijos. Las enfermizas relaciones que se intuyen en el seno familiar, el místico vínculo que parece unir a sus miembros con la sobrecogedora naturaleza que les atrapa y protege, la turbadora presencia de ese extraño.....todo eso le confiere a "Un lac" una pátina especial que el jurado del Festival supo apreciar, concediéndole el Premio a la Mejor Fotografía y una Mención Especial del Jurado.

Retomando una especie de regla no escrita Festival de Las Palmas de Gran Canaria, Grandieux será uno de nombres propios de la edición de 2010. Francés de nacimiento, fue en Bélgica donde estudió en el Instituto Nacional Superior de las Artes del Espectáculo y donde sus obras primerizas, de marcado carácter experimental, recibieron cobijo en los museos locales durante buena parte de los 70 y los 80. Después comenzó a colaborar con el Instituto Nacional del Audiovisual de Francia, en busca de nuevas formas y formatos audiovisuales, paseándose sin prejuicios entre la experimentación, el videoarte, el ensayo o las instalaciones. De esa época destaca el premio entregado en 1983 por la Asociación Francesa de Críticos de televisión a una de sus piezas titulada "Pleine lune"

Dirigió un par de capítulos de la película colectiva "La Roue" (1993), donde cada director se centraba en un ciclista profesional determinado. Fue especialmente relevante el dedicado por Grandieux al polémico holandés Gert Jan Theunisse, alias "La Bestia", un estupendo escalador que destacó sobremanera en el Tour de Francia y que estuvo permanentemente cuestionado durante toda su carrera por unas sospechas de dopaje posteriormente confirmadas y ampliadas.

Grandieux nunca ha abandonado el videoarte y las instalaciones, alternando sus trabajos en estos campos con el cine más "tradicional" (si es que en el caso de Grandieux se puede emplear ese adjetivo), sobre todo después de su debut en el largo en 1998 con "Sombre" (1998). Con aquella película alcanzó una Mención Especial del selecto Festival de Locarno, seduciendo a su jurado con su narración fragmentada, sus imágenes convulsas y una extraña trama donde curiosamente tenía especial relevancia un coche que sigue el devenir del Tour de Francia.

Tuvieron que pasar cuatro años para que en 2002 llegase su segundo largometraje, "La vie nouvelle", una historia impactante sobre la trata de blancas en la Europa del Este y que recorre la sordidez de los clubs de alterne al ritmo de las pasiones enfermizas de sus personajes.

Incluso ha tenido tiempo para dirigir un videoclip de Marilyn Manson titulado "Putting Holes in Happiness", single de su álbum de estudio de 2007 "Eat me, drink me". En el video asistimos a la confrontación entre Manson y una especie de bruja que parece burlarse del músico. La presencia insistente de un bosque tranquilo y nublado parece prepararnos para lo que vendría al año siguiente: el estreno en 2008 de "Un lac".

Grandieux estará en Las Palmas de Gran Canaria para presentar una buena parte de su filmografía y seguramente para algo más. Sin duda, una oportunidad única para aproximarnos a un artista singular, atractivo y sugerente.

Uno espera el ascensor y se sorprende de que al abrirse la puerta aparezca alguien allí. Es lo más normal del mundo que haya alguien dentro, sobre todo si es el ascensor de un hotel que rebosa huéspedes. Pero da igual. Uno siempre se sorprende. Quizás porque la situación que se genera a posteriori es un poco violenta. Una mirada. Un "Hola" musitado a regañadientes. Un intento de cordialidad con el "¿a qué piso va?". Es como un baile forzado, de esos que a veces se dan en las bodas, donde te toca bailar con quien menos te lo esperas.

Eso le pasó al actor Ricardo Darín en el Hotel María Cristina. Había acudido al Festival de Cine de San Sebastián y se disponía a bajar hacía el vestíbulo del hotel. Cuando ya casi alcanzaba la planta baja, el ascensor se paró y entró un tipo de melena alborotada y mirada involuntariamente distraída. Era el director Fernando Trueba. No se habían visto antes, y apenas intercambiaron unas palabras. Pero antes de despedirse, se dieron un efusivo apretón de manos y Trueba soltó algo así como "un día trabajaremos juntos", a lo que Darín respondió con una de esas sonrisas desarmantes tan suyas.

Dicen que la vida es una sucesión de casualidades y decisiones. Es posible. A lo mejor si Darín hubiese decidido bajar por las escaleras nunca habría llegado a ser el protagonista de la más reciente película dirigida por Fernando Trueba, "El Baile de la Victoria". Incluso es posible que nunca se hubiera hecho esta película, al menos en la forma en que ha llegado a nuestras pantallas.

Es una película floja, un tanto fallida y que no consigue levantar el vuelo. No funciona ni en lo simbólico ni en lo narrativo. No interesan ni las andanzas románticas, ni las intrigas criminales ni el supuesto ajuste de cuentas a la dictadura de Pinochet. Desconozco si ha sido fiel al libro de Skármeta y si les digo la verdad, no es algo que me importe. Como película resulta muy poco interesante, rozando en algunos momentos la ridiculez.

Mención especial merece uno de los protagonistas, el argentino Abel Ayala. Por momentos llega a provocar tal grado de irritación que uno se alegra de todo lo malo que le pueda pasar. Su repertorio de tics, sonrisas bobas y andares ridículos parece interminable, llegando a recordar a los peores imitadores del gran Cantinflas. Mientras me retorcía en la butaca cada vez que aparecía en pantalla, algo me decía que lo había sufrido antes. Finalmente recordé que fue el protagonista de una película sorprendentemente bien recibida en su momento, "El Polaquito" (2003), donde para terror de la humanidad era el protagonista absoluto.

Darín, acostumbrado a estar bien incluso en obras muy por debajo de sus posibilidades, a veces da la impresión de no saber qué diantres está haciendo en esta película. Incluso a veces me daba la sensación de estar maldiciendo la hora en que entró en aquel ascensor del Hotel María Cristina.

La edición número 11 del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria empieza a tener cara y ojos. A pesar de la incertidumbre que muchos se empeñan en generar alrededor de este evento, el próximo 12 de marzo se abrirán las puertas de un Festival que año tras año pelea por consolidar su apuesta por un cine atrevido y exigente.

Es evidente que la omnipresente crisis económica afectará de manera notable al Festival. Lo contrario hubiera sido contraproducente y, en cierta forma, algo obsceno. Pero al menos por lo que se desprende de la nota de prensa emitida por la organización "...el festival responderá a la política de austeridad y contención de gasto que el Ayuntamiento ha dispuesto sin que por este motivo se vea afectada la calidad de la programación del certamen". Al mismo tiempo, se precisa que "... la austeridad se verá reflejada en los aspectos que generalmente acompañan y dan empaque a este tipo de eventos, las galas, la ausencia de fiestas y la contención con los invitados". Una buena noticia.

En los próximos tres meses se irán desvelando aspectos cada vez más precisos de su programación, pero ya conocemos tres nombres propios a quienes se dedicará un espacio de relevancia. Se trata de tres directores que responden con precisión al perfil requerido por el Festival. No en vano, dos de ellos (el brasileño Cao Guimaraes y el francés Philippe Grandieux) han visto como sus obras ya han sido exhibidas y premiadas en dicho festival. Y el tercero es toda una leyenda: el checo Jan Svankmajer.

De Guimaraes y Grandieux hablaremos otro día (prometido). Hoy nos apetece detenernos un poco en este checo, quizás desconocido para algunos pero que en el mundo de la animación es sin ninguna duda uno de los personajes más relevantes de todos los tiempos. Svankmajer estudió en el Instituto de Artes Aplicadas y en la Facultad de Marionetas de la Academia de Praga, trabajando como director teatral en el Teatro de Máscaras, el Teatro Negro de Praga y la prestigiosa Laterna Magika. Desde que en 1964 estrenase su primer corto se ha mantenido en activo con una vigorosidad descomunal, salteando sus cinco largos y casi treinta cortos con diversos trabajos como artista gráfico, escultor, diseñador y poeta. Casi todos los años tenía al menos una pieza nueva con la que sorprender al mundo, forjando una trayectoria repleta de brillantez y que sin embargo se vio truncada a mitad de los 70 cuando las autoridades checas le prohibieron trabajar durante cinco años por motivos políticos.

Suele recurrir a la técnica de stop-motion, aunque no ha desechado las opciones de trabajar con actores reales, máquinas, esqueletos o muñecas, según la ocasión. Quienes siendo fans de Terry Gilliam o Tim Burton no conozcan la obra de Svankmajer se sorprenderán por la influencia que éste ha ejercido en esos y otros cineastas posteriores, sobre todo en el aprecio por cierta poética de la oscuridad siempre envuelta en un halo de romanticismo.

Svankmajer ha recibido homenajes en el Festival de San Francisco o en la America Cinema Foundation, y los festivales de medio mundo han premiado gran parte de sus obras. Les invitamos a degustar un par de perlas que pueden ayudarles a formarse una idea de su cine. Empecemos con uno de sus largometrajes, "Fausto" (1994), donde refunde diversas aproximaciones a ese eterno mito del hombre que vende su alma al diablo, siendo galardonado por ello en foros de gran relevancia para el género como Fantasporto y Annecy, además de ser premiado por los críticos checos y por la Academia Checa del Cine.

Uno de sus cortos más renombrados es "Tma/Svetlo/Tma" (1989), una pieza de apenas seis minutos que fue premiada en Cracovia, Berlín y Espinho (Portugal) y que nos cuenta como un cuerpo humano se reconstruye a sí mismo, no sin ciertas dificultades, dentro de una pequeña habitación.

Con casi 80 años a sus espaldas, Svankmajer se mantiene en activo, teniendo a punto de estreno su último trabajo "Přežít svůj život (teorie a praxe)", una comedia con toques de terror sobre un anciano que se aferra a los recuerdos de su infancia para evadirse de una vida de frustraciones. Según algunas informaciones, tiene previsto su estreno en la República Checa para febrero de 2010, por lo que con un poco de suerte, se podría incluir en la retrospectiva del Festival de Las Palmas.

Film Independent es una organización que presume de moverse sin ánimo de lucro dentro de la Industria del cine americano, algo que parece profundamente contradictorio. Pero lo cierto es que llevan un cuarto de siglo potenciando el cine americano de bajo presupuesto y, consecuentemente, a todos aquellos artistas que luchan por hacerse un hueco en el mundillo del cine y a los viejos francotiradores que se niegan a asumir las reglas del juego.

En sus dos primeros años de vida se denominaban FINDIE ("Friends of Independents") Awards, pero desde 1986 se les conoce como Independent Spirit Awards y han ido ganando cada año cotas cada vez mayores de relevancia, consiguiendo convertirse en algunos casos en descubridores del "próximo gran nombre del cine americano".

La edición en que van a cumplir sus primeros 25 años no se celebrará en la Playa de Santa Mónica como ha sido habitual, sino en el centro de Los Angeles. Será el 5 de marzo de 2010, dos días antes de la ceremonia de entrega de los Oscar. Dos son las películas que optan este año a un mayor número de premios, "Precious" y "The last station", con 5 candidaturas cada una, representando además dos de las principales vertientes tradicionales de estos premios.

"Precious" responde al ejemplo de "pequeña y arriesgada película independiente americana". Arrasó en Sundance, llevándose el Primer Premio, el Premio del Público y el Premio Especial del Jurado. También deslumbró en San Sebastián (Premio del Público) y es uno de los títulos más comentados del momento. Aunque es la segunda película de su director Lee Daniels, éste es desde hace tiempo un nombre de referencia en la industria. No en vano fue director de casting en "Purple rain" (1984) y productor de "Monster´s Ball" (2001), pero está alcanzando un estatus diferente con la historia de una adolescente negra con severos problemas de obesidad y que sufre reiterados abusos en su casa. Por si no tuviese todas las papeletas para arrasar, además la produce Oprah Winfrey...

"The last station" sin embargo es una coproducción entre Rusia, Grecia y Reino Unido que dirige Michael Hoffman (el mismo de "Restoration"). Promete un recital (otro más) de su actriz protagonista (Helen Mirren), un elenco de maravillosos secundarios (Christopher Plumier o Paul Giamatti) y, en definitiva, un drama biográfico de esos que tanto gustan en Hollywood y que en este caso fantasea con un fragmento de la vida de Tolstoi.

De entre el resto de candidatos podríamos resaltar la presencia del éxito comercial del año dentro del cine independiente, "500 días juntos", con opciones a Mejor película, guión y actor principal, categorías en las que no sería extraño ver su nombre dentro de los Oscar. Más cercanas nos suena la presencia de un puñado de títulos que han participado en el reciente Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria ("The exploding girl", "Beeswax" o "Goodbye Solo"). Pero hay un título que nos apetece resaltar por encima de todos: "Sin nombre", de Cary Fukunaga, candidato a tres categorías principales (película, director y fotografía), un mérito extraordinario para un debutante y, sobre todo, para una película que siendo de producción estadounidense está hablada en español. Cuenta la historia de una joven hondureña que viaja hacia Estados Unidos a través de México a bordo de un ferrocarril de carga, acompañada por su novio, integrante de una pandilla centroamericana.

Fukunaga estuvo por Canarias hace un par de años. Vino a la Muestra de cine iberoamericana de Las Palmas de Gran Canaria de 2005 a presentar su exitoso cortometraje "Victoria para Chino" y a coordinar el Proyecto Corto de aquella edición. Quienes tuvimos la suerte de conocerle descubrimos que el talento que apuntaba su obra encontraba un delicado balance en su temperamento suave y relajado. Pelo rapado (últimamente se lo ha dejado más largo), vaqueros gastados, calzado surfero y gafas de intelectual. Un tipo con encanto, como bien pueden corroborar buena parte de las espectadoras de aquella edición de Ibértigo. Lamentablemente, su presencia en Canarias no tuvo la relevancia pública que merecía. Ya saben, cosas de "no ser famoso".

Aquel encuentro se ha prolongado en el tiempo, gracias a las ventajas de Internet y a algún encuentro al otro lado del charco. Esto nos permitió saber de sus intentos por dirigir un primer largometraje en Hollywood que no le obligase a perder sus señas de identidad ni a aceptar credos ajenos. Diego Luna y Gael García Bernal le han producido esta película tal y como él quería, y eso es de agradecer. Cuando ahora vemos su primer largometraje como uno de los grandes triunfadores del año (y ojo a los Oscar), uno se siente especialmente afortunado de haberle conocido y de haber apoyado en la medida de sus limitadas posibilidades a un tipo así. Seguro que ahora muchos querrían abrir sus informativos con él. A buenas horas.