Archivos Septiembre 2009

De vez en cuando surgen pequeñas excepciones a la regla, talentos inesperados que abrazan causas estimulantes y que reconcilian al espectador con las salas de cine. Uno de esos casos es la directora Lucrecia Martel, quien con no más de tres largometrajes a sus espaldas, ya ha alcanzado esa reputación de "auteur" que a muchos otros les cuesta media vida.

Desde que debutó con La Ciénaga (2001), ha acaparado la atención de la crítica más exigente y se ha convertido en una persistente recolectora de alabanzas y distinciones. Su segundo trabajo, La niña santa (2004), triunfó en el Festival de Sao Paulo y participó en la sección oficial del Festival de Cannes, algo que repitió con su más reciente obra, La mujer sin cabeza (2008). La insistencia del Festival de Cannes por acoger las obras de esta realizadora da una idea clara de su enorme relevancia internacional. Baste añadir que esa relación de amor con Cannes se refrendó con su presencia como miembro de su jurado en la edición de 2006, papel que también ha desempeñado en eventos similares como en la Berlinale (2002).

Actualmente se encuentra preparando la esperadísima adaptación de un mítico cómic argentino, "El Eternauta", pero en medio de ese proceso hace una breve parada para acudir a Ibértigo - Muestra de cine iberoamericano de Las Palmas de Gran Canaria, donde no sólo presentará al público sus tres películas, sino que también impartirá una conferencia sobre su sistema de trabajo, desde la escritura del guión a la puesta en escena, pasando por la elección de la banda sonora, etc.

AGENDA DE LUCRECIA MARTEL EN IBERTIGO 2009

JUEVES 1 DE OCTUBRE: Conferencia en CICCA, 19.30 horas

VIERNES 2 DE OCTUBRE: Presentación de LA MUJER SIN CABEZA, 20.30 horas, Multicines Monopol

SÁBADO 3 DE OCTUBRE: Presentación de LA NIÑA SANTA, 20.30 horas, Multicines Monopol

DOMINGO 4 DE OCTUBRE: Presentación de LA CIENAGA, 20.30 horas, Multicines Monopol

La Semana de Cine Experimental de Madrid (SCEM) se encamina hacía sus primeros veinte años de vida sin perder ni un ápice del espíritu trasgresor e innovador que la caracteriza desde sus inicios. La creación internacional más vanguardista se ofrece año tras año en este foro, en el que se pretende estimular el experimento con la esperanza de encontrar nuevas formas para la imagen.

Es, en definitiva, un evento que lucha a contracorriente para defender desde el bastión del riesgo la naturaleza innovadora del séptimo arte. En trincheras similares se parapeta Ibértigo, la Muestra de Cine Iberoamericana de Las Palmas de Gran Canaria que cada año ofrece una atrevida panorámica del cine iberoamericano reciente. Este tipo de eventos suelen compartir cierto grado de sensibilidad que en ocasiones derivan en colaboraciones como este "Ibértigo Experimental", una selección de las mejores obras iberoamericanas presentes en las últimas ediciones de la SCEM y que se podrán visionar entre el 25 y el 11 de septiembre en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria. Las sesiones continuas se iniciarán a las 10 de la mañana y se podrán disfrutar durante todo el día, de forma gratuita, y hasta las 9 de la noche. Este ciclo de proyecciones abarca el mismo abanico ecléctico de la propia SCME, con espacio para el cine underground, la video danza, la animación o el found footage. Desde este rinconcito de la blogosfera asumimos un poco de riesgo y pasamos a recomendarles algunas de las obras que componen esta selección.

Podríamos empezar por la esquinada "The Spooky Healing", dirigida por el debutante Marcel Garbi, artesano de la imagen y el sonido, compositor, diseñador de sonido, ilustrador, artista multimedia, diseñador gráfico, etc.

Una de las piezas más cortas pero no por ello menos interesantes es "The Quiet", premiada en los festivales de Málaga, Aguilar de Campoo o Cáceres y que solo por su igualmente corta pero inquietante sinopsis merece una oportunidad: "Normalmente, soy bastante tranquilo..."

Los degustadores del buen pop español tienen la oportunidad de ver un video clip alejado de las corrientes habituales. Una cámara doméstica filmó al grupo Klaus & Kinski interpretando su tema "Flashback al revés" A continuación se imprimió cada fotograma en un folio y se fotografió cada uno de ellos. 1800 fotografías, 7 cartuchos de tinta y mucha paciencia... Finalmente, esas fotos sustituyeron a los fotogramas originales.

El director es Txema García Ibarra, un nombre que deberían retener de cara al óscar del año próximo por "El ataque de los robots de Nebulosa - 5"

Pero quizás la apuesta más atractiva pueda ser "For(r)est in the des(s)ert", sobre todo por la historia que esconde detrás.

Galardonada con el premio al mejor corto en el Festival de Sitges, y vencedora también en Alcalá y en la propia SCEM, fue dirigida por Luiso Berdejo, un tipo peculiar cuya trayectoria la resume él mismo en "un kilómetro y pico de celuloide repartido en varios cortometrajes; cientos de páginas de guiones de largometraje escritas, unas por rodar, otras ya rodadas por otros directores; toneladas de paciencia durante el maravilloso viaje hacia su propia película... Felizmente casado". Lo cierto es que Berdejo, después de ganar un puñado de premios con sus cortos, no encontró apoyos en España para dar el salto al largometraje. Intentando dar salida a su obra, entregó una selección de sus cortos a una agencia de representación, pero sin muchas esperanzas de que aquello sirviera para algo. Sin embargo, estando una tarde en casa de un amigo, recibió una llamada misteriosa. Al contestar, una voz en inglés se identificó como un productor estadounidense interesado en producirle un largometraje en Hollywood y con ¡Kevin Costner de protagonista! Mientras el bueno de Berdejo repetía una y otra vez las 4 frases hechas que recordaba de su inglés parvulario, su amigo se partía de risa en el suelo de la habitación.

Verdejo no se lo creía, y llegó a pensar que era una broma. Pero no, no era ninguna tomadura de pelo, y allá que se fue el donostiarra, seguro de que a la semana de rodaje lo iban a expulsar al darse cuenta que era incapaz de hablar un inglés decente ("al menos les podré contar a mis nietos que me echaron del rodaje de una peli americana"). Al llegar a los estudios, a Berdejo casi se le caen los pantalones al verse frente a Costner, ídolo de sus años mozos. Abrumado por la situación, se emocionó y le soltó un discurso plagado de infantiles alabanzas hacia sus películas y a punto estuvo hasta de pedirle un autógrafo. Durante toda esa conversación Costner no abrió la boca, manteniendo en todo momento esa media sonrisa tan suya. Cuando Berdejo terminó de hablar, Costner mantuvo un silencio aterrador durante diez segundos y, sin cambiar de sonrisa, le espetó: "Miremos hacia el futuro. A trabajar". Se dio la vuelta, y se fue. A Berdejo le costó, pero se recuperó, claro. Y al final, aguantó algo más de una semana. De hecho, la película, titulada "The New Daughter", está ahora mismo en post producción y seguramente la veremos en este 2009.

Como complemento al reciente estreno de "Malditos bastardos", Skymovies pedía a Quentin Tarantino que enumerase sus 20 películas favoritas de los últimos 17 años, desde que debutara en la dirección cinematográfica con la seminal "Reservoir Dogs". Para quienes estamos familiarizados con los gustos eclécticos y cambiantes de QT, la lista viene a confirmar su pasión por el cine llegado de Asia (Japón, Hong Kong y Corea del Sur, fundamentalmente), su desinterés por el cine europeo (con un par de contadas, y notables, excepciones, rodadas además en inglés) y su reivindicación del cine de (sub)género. Procede recordar aquí que Tarantino habitualmente nombra "El bueno, el feo y el malo" como su película favorita de todos los tiempos, y los Basterds incluyen más de un homenaje explícito a Sergio Leone y su obra, desde la utilización recurrente de la música del grandísimo Ennio Morricone a la planificación y estructura cercanas al spaghetti-western, por no mencionar la gloriosa introducción que cita directamente el comienzo de "Hasta que llegó su hora". Mientras que la absoluta nº 1 es, en sus propias palabras, la "película que realmente más desearía haber realizado", el resto de títulos siguen su orden alfabético (en inglés).

1. Battle Royale / Batoru rowaiaru (Kinji Fukasaku, 2000). Obra maestra absoluta, delirante y violentísima visión de los conflictos generacionales y educativos en el Japón contemporáneo, complementada por la aún más demencial BR2, canto de cisne de Fukasaku y poco velada apología del terrorismo frente al imperialismo estadounidense.
2. Todo lo demás / Anything Else (Woody Allen, 2003). Infravalorado acercamiento al mundo de la comedia adolescente del genio neoyorquino, publicitada en su momento como si fuese una American Pie más, y sonoro fracaso comercial en todo el mundo.
3. Audition / Ôdishon (Takashi Miike, 1999). Quienes tuvimos ocasión de asistir a su memorable pase en "La noche más freak" del Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria fuimos testigos de la imborrable capacidad de Miike de trasladarnos del rosa al rojo profundo en apenas dos trazos. Kiri, kiri, kiri.
4. The Blade / Dao (Tsui Hark, 1995). Actualización de la leyenda del luchador manco a cargo del inefable destajista honkonés, garantía siempre de dos horas de diversión sin prejuicios. Otras obras muy recomendables suyas serían "El tiempo no espera" y la trilogía "Érase una vez en China".
5. Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1997). Aunque quienes me conocen saben que soy más de "Magnolia", la película con que se inició cinematográficamente el siglo XXI, entiendo por qué a QT le entusiasma BN: cine dentro del cine, drogas, sexo, violencia y muertes con un precio.
6. Movida del 76 / Dazed and confused (Richard Linklater, 1993). Nunca estrenada en salas comerciales en nuestro país (como otros muchos títulos de la lista), posiblemente sea la mejor aproximación a los últimos días de instituto (todo un subgénero en sí mismos) a cargo de uno de los popes del cine indie.
7. Dogville (Lars Von Trier, 2003). Según Tarantino, uno de los mejores guiones jamás escritos, y que hubiese merecido un Pulitzer si su destino hubiese sido el teatro, con actores en estado de gracia y la cámara siempre juguetona del danés errante.
8. El club de la lucha (David Fincher, 1999). Hiperviolencia, humor y jabón. Un cóctel demasiado revolucionario para el público adocenado, que la relegó al fracaso en su estreno. Los años la han puesto en el sitio que se merece en el panteón de grandes películas de los últimos años, confirmando a su director como un narrador de raza.
9. Todo en un viernes / Friday (F. Gary Gray, 1995). Especie de aproximación afroamericana al espíritu de "Clerks", protagonizada por el insoportable Chris Tucker (siempre aplaudo su muerte en "Jackie Brown"), su éxito comercial propició una secuela (muy inferior) y el nacimiento de toda una corriente.
10. The Host / Gwoemul (Bong Joon Ho, 2006). Excelente monster movie llegada de Corea del Sur, aderezada con múltiples capas y niveles de lectura que enriquecen cada nuevo visionado. Y sí, los americanos (del norte) vuelven a ser los culpables, claro.
11. El dilema / The Insider (Michael Mann, 1999). Probablemente la película más sobria del, ya de por sí estoico, gran Michel Mann, constituye una notable aproximación al turbio mundo de las tabacaleras, con posiblemente la última gran interpretación de Al Pacino.
12. Area de seguridad conjunta / Gongdong gyeongbi guyeok JSA (Park Chan Wook, 2000). El conflicto que divide a las dos Coreas a través de los ojos de uno de los pesos pesados del cine contemporáneo , aunque he de reconocer que mi debilidad de su filmografía es Oldboy".
13. Lost in translation (Sofia Coppola, 2003). Una de las inclusiones más sorprendentes del listado, aunque cabe apuntar que Tarantino y Coppola mantuvieron una relación amorosa que, sin duda, en algo ha debido influir.
14. Matrix / The Matrix (Andy y Larry Wachowski, 1999). Renovadora del anquilosado género de la ciencia-ficción, visualmente portentosa, revisarla casi consigue hacernos olvidar que, como recuerda QT, tuvo unas secuelas que dañaron irremisiblemente su mitología.
15. Salinui chueok / Memories of Murder (Bong Joon Ho, 2006). Segundo título en la lista del director coreano (el único realizador que repite) y obra maestra absoluta que reinventa el género de la investigación policial y ejerció una enorme influencia sobre Fincher y su soberbia "Zodiac".
16. Ging chat goo si 3: Chiu kup ging chat / Supercop (Stanley Tong, 1992). Jackie Chan y Michelle Yeoh haciendo de las suyas, con algunas de las mejores secuencias de acción del cine contemporáneo. Y además con la siempre agradecida presencia de Maggie Cheung.
17. Zombies Party / Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004). Tras revolucionar el formato de la sitcom a la inglesa con la soberbia "Spaced", Simon Pegg y Nick Frost dieron el salto a la gran pantalla con un cariñoso homenaje a los muertos vivientes de George A. Romero, con momentos realmente desternillantes.
18. Speed (Jan DeBont, 1994). Uno de los últimos estertores del mejor cine de acción estadounidense que en los 80 había alcanzado su cénit con títulos como "La jungla de cristal", antes de que la invasión de Michael Bays de medio pelo arruinara definitivamente el sueño.
19. Team América / Team America: World Police (Trey Parker - Matt Stone, 2004). Los creadores de "South Park" no dejan títere con cabeza (si me perdonan el fácil juego de palabras) en una desopilante sátira del intervencionismo yanqui.
20. El protegido / Unbreakable (M Night Shyamalan Ding Dong, 2000). Supermán, génesis y su némesis. Posiblemente la mejor película de superhéroes de la historia. Y Bruce Willis otra vez sin enterarse de nada.

Para finalizar, una sugerencia para sus agendas. Hoy martes 22, a las 20:30 horas, los Multicines Monopol acogen un nuevo título programado por Filmoteca Canaria dentro de su excelente ciclo de cine de no ficción, "Tal como somos". Se trata de "Joe Strummer: vida y muerte de un cantante", dirigido en 2007 por Julian Temple, un impresionante recorrido por la trayectoria del líder de The Clash, desde inéditas películas familiares de su infancia a entrevistas con personajes (Bono, Johnny Depp, John Cusack, Flea o Jim Jarmusch, por citar sólo algunos) sobre los que ejerció su influencia, pasando por material de conciertos con sus distintas bandas. Para todos los que tuvimos la fortuna de ver a Strummer en vivo en uno de sus últimos conciertos, al frente de The Mescaleros en el Womad del año 2001, una nueva oportunidad de reencontrarnos con el mito (y de acercarnos a la persona que se escondía tras la cortina). Absolutamente recomendable.

Ninguna de sus películas me deja indiferente. Más bien todo lo contrario, cada una de sus juguetonas propuestas es capaz de hacerme disfrutar hasta límites insospechados. Y eso no lo consiguen muchos cineastas, la verdad. Y menos cultivando géneros de forma tan "al límite" como solamente él se atreve. Incluso en sus peores momentos es capaz de sorprenderme, de entretenerme o, incluso, de conmoverme.

A quien se quede en la excusa barata de su regusto por la violencia o en su incapacidad para abandonar el "cine de género", baste recordarle las innumerables peleas y disparos que se ven en muchas de las películas del gran John Ford. Es un ejemplo de lo más facilón, es cierto, sobre todo porque no estoy intentando comparar a Ford con Tarantino. Ni mucho menos. Pero no deja de ser curioso que uno de los más grandes de todos los tiempos, se definiese a si mismo como "director de películas del oeste", casi como quitándose importancia. Y que eso venga de boca de quien para muchísima gente ha sido el mejor, creo que quiere decir algo.

Quentin Tarantino se ha ido edificando película a película un universo personal e intransferible donde campa a sus anchas la mitología barata que devoró en sus años de videoclub, enriquecida por su inigualable capacidad para convertir asuntos aparentemente absurdos en el eje de algunos de los mejores diálogos del cine americano reciente. Pero es que además es tremendamente hábil a la hora de aderezar todo esto con un empaque visual apetitoso. Vamos, que lo tiene todo.

Cuando estas letras queden colgadas en el ciberespacio aun no habré podido ver su última película, "Malditos bastardos", pero ya se me hace la boca agua. Y en esta ocasión, hay un detalle ajeno al bueno de Quentin que eleva al cubo mi regocijo: voy a poder ver esta película en versión original. Quien habite en una gran capital puede ver este comentario un tanto fuera de lugar, pero es que quienes vivimos en provincias vemos reducidas a la mínima expresión las posibilidades de ver cine de estreno en su propio idioma. En el mejor de los casos, y con bastante retraso sobre sus estrenos nacionales, nos llegan pequeñas películas de autor condenadas a aguantar una semana en la sala más reducida de los multicines más pequeños de la ciudad. Por eso, con estrenos como éste, en el que se puede oir a actores de diferentes nacionalidades empleando sus propios idiomas, estamos de enhorabuena.

Quizás otro día podamos debatir sobre el doblaje español, ese que dicen es tan bueno. Pero es que no veo argumentos a favor de perder una parte esencial del trabajo de un actor: su voz. Meryl Streep se pasa medio año intentando hablar inglés con acento danés en "Memorias de África" para que, de repente, una buena mujer de la meseta castellana decida como debe hablar su personaje.

Y si no se quieren ir tan lejos en el tiempo, piensen en algo más reciente: el esperpéntico doblaje de "Mapa de los sonidos de Tokyo", de Isabel Coixet. Una película hablada originalmente en japonés, español, inglés y catalán que termina por unificar sus diálogos bajo la bandera de la indefinición.

Y si no me creen, vean y comparen. Empecemos con el trailer en español

Y seguidamente, dense un paseo por la página oficial de la película y seleccionen "Videos"

¿Siguen creyendo que hay debate? Pues nada, aquí les esperamos.

En el excelente documental, ganador del Óscar, "Man on Wire" (2008), el pánfilo funambulista francés Philippe Petit se aferraba a una visión casi imposible: tender un alambre entre las Torres Gemelas del World Trade Center y caminar sobre las nubes. Todos aquéllos que alguna vez hemos tenido un sueño sabemos que la ilusión es necesaria y directamente proporcional a la dificultad de la empresa. Hace casi una década, desde la Asociación de cine Vértigo nos planteamos la posibilidad de avanzar un paso más en nuestra incesante búsqueda de nuevas propuestas que paliasen, siquiera en parte, las innumerables carencias que en materia de programación cinematográfica detectábamos en nuestra ciudad. Se trataba casi de una quimera, pues requería sortear toda clase de dificultades, fundamentalmente económicas y de gestión. Finalmente, en el año 2003 nuestros esfuerzos dieron su fruto, y la Muestra de Cine Iberoamericano Ibértigo comenzó a dar sus primeras zancadas.

Desde entonces venimos acudiendo cada año, fieles a nuestra cita con un público entendido y fiel que respalda una política de programación no necesariamente accesible, pero siempre coherente. El principal objetivo de Ibértigo ha sido y será siempre un reflejo de las inquietudes, en ocasiones divergentes pero suplementarias, de los integrantes de la Asociación de Cine Vértigo; desde la atención a cinematografías con dificultades para llegar a nuestra cartelera (por aquello de los misteriosos caminos de la distribución y exhibición cinematográficas) al azaroso proceso de rodaje (a través del Proyecto Corto), prestando debida atención a las diversas facetas de las artes audiovisuales desde una perspectiva cercana y alejada de dogmatismos. El periplo no ha sido fácil. Los vientos de la crisis económica, los limitaciones logísticas, la ausencia de afanes protagónicos y la desacralización intrínseca del evento nos han acarreado no pocas cortapisas, pero aquí seguimos, de nuevo con ambos pies pisando firmes el alambre, dispuestos a surcar de nuevo el abismo.

En próximos días, iremos desgranando la programación de esta 7ª edición, pero aprovecharemos también la oportunidad que nos brinda Canarias 7 para hacer lo que más nos gusta, hablar y debatir de cine. Siempre desde posiciones muy personales, apoyando aquellas propuestas que nos parezcan, por una u otra razón, más atractivas de la cartelera, animándoles a acercarse a eventos que escapen del inmovilista monopolio de las majors, comentando las noticias más llamativas que vayan surgiendo cada semana y, sobre todo, instándoles a ver el cine como algo que trasciende el mero entretenimiento. No pretendemos desafiar a Némesis, sólo acercarles el cine desde una óptica intransferible. Confiamos en que se animen a acompañarnos en nuestro salto de fé. Si logramos alguno de nuestros objetivos, nos daremos por más que satisfechos.

"Las grandes ciudades modernas, Nueva York, París, Londres, esconden tras sus magníficos edificios hogares de miseria que albergan niños mal nutridos, sin higiene, sin escuela, semillero de futuros delincuentes".

Delincuentes no somos. Subversivos, tal vez (o al menos así nos llamaron en un tiempo). Agitadores culturales, siempre. En tiempos de miseria cultural, de tacañería intelectual y de despiste institucional, la Asociación de cine Vértigo ha tratado de convertirse en dinamizadora del mundillo audiovisual canario, sin dogmatismos ni sesgos ideológicos, primando en todo momento el valor intrínseco de cada obra cinematográfica por encima de efímeras valoraciones coyunturales.

Erigirnos en valedores de "esos otros cines" puede parecer pretencioso, pero nada más lejos de la realidad. Que este blog se llame Los Olvidados no es más que un juguetón reflejo de cierta sensación de desamparo que creemos sufren casi todas las apuestas audiovisuales que se salen de la norma. Por eso hemos buscado el amparo de uno de los más ilustres fustigadores de lo "políticamente correcto", Luís Buñuel, azote de mentalidades pacatas y obsoletas y, sobre todo, brillante creador cinematográfico. A la sombra de "Los Olvidados" (una de sus obras más significativas) damos este paso, y a su espíritu de ateo convencido nos encomendamos.

Después de más de una década de implicación directa en mil y una actividades propias y ajenas, abrimos esta ventana a los nuevos tiempos gracias a la cortesía de Canarias 7. Con ella buscamos mejorar la comunicación con todos aquellos que siempre han caminado a nuestro lado y tocar en la puerta de nuevos amigos con los que compartir la ruta.

Desde esta atalaya tenemos la intención no sólo de comunicar con mayor agilidad las actividades en las que nos implicamos, sino también de permitir una conexión directa y casi a diario con cualquier aficionado al cine. No pretendemos erigirnos en sucedáneos del Oráculo de Delfos, ni tampoco en portavoces de la oficialidad. Queremos ser amenos sin perder ni un ápice de rigurosidad. Y esperamos convertirnos en un foro no sólo de consulta, sino también de reflexión crítica.

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